若江漢字とヨーゼフ・ボイス（神奈川県立近代美術館） Wakae Kanji + Joseph Beuys (Museum of Modern Art, Hayama)

ヨーゼフ・ボイスの名を冠する展覧会は、2011年に埼玉県立近代美術館で行われた展覧会以来だった。

ボイスの生誕100年を記念して行われたその展覧会は、弟子のパレルモとの共同展だった。

そう言えば、小規模ながら、表参道のGyle Galleryで昨年行われた、若手アーティストたちとのグループ展もあった。

今回のこの葉山での展覧会も、こちらも弟子筋にあたる若江漢字との共同展。

ボイスについては、もはや単独では展覧会を開けなくなったということか。

展示内容も、どちらかと言えば、若江漢字の作品の方が、大きなスペースを占めていた。

今回の展覧会は、若江が撮影したボイスの写真をこの美術館に委嘱したことがきっかけになっているという。

若江がドイツにボイスを訪れた際と、ボイスが日本に来日した際のそうした写真は、会場にも多数展示されて、スライドショーも行われていた。

ボイスの作品は、若江が故郷の横須賀に作った美術館、カスヤの森現代美術館にあるもので、以前、その美術館を訪れた際に、目にしていたものが多かった。

若江の作品は、今回初めてまとまった形で見ることができたが、歴史や宗教などのテーマにしたコンセプチュアルなアート作品が多かった。

若江は、ボイスとデュシャンを敬愛しているようだが、作品はその二人よりも、アンセルム・キーファーに使いように感じられた。

This was the first exhibition bearing Joseph Beuys's name since the 2011 exhibition at the Museum of Modern Art, Saitama.

That exhibition, held to commemorate the 100th anniversary of Beuys's birth, was a collaborative exhibition with his student Palermo.

Speaking of which, a smaller group exhibition with young artists was also held last year at Gyle Gallery in Omotesando.

This exhibition in Hayama was also a collaborative exhibition with his student, Wakae Kanji.

It seems that Beuys is no longer able to hold exhibitions on his own.

In terms of the exhibit itself, Wakae Kanji's works took up a larger portion of the space.

The impetus for this exhibition was apparently the museum's commissioning of photographs of Beuys taken by Wakae.

Many of these photographs, taken when Wakae visited Beuys in Germany and when Beuys came to Japan, were on display at the venue, and a slideshow was also held.

Beuys's works are housed at the Kasuya Forest Museum of Contemporary Art, an art museum that Wakae built in his hometown of Yokosuka, and I had seen many of them on previous visits there.

This was the first time I was able to see Wakae's works in a comprehensive format, and many of them were conceptual artworks dealing with themes such as history and religion.

Wakae seems to admire Beuys and Duchamp, but his works felt more reminiscent of Anselm Kiefer than either of them.

描く人、安彦良和（松濤美術館） Yasuhiko Yoshikazu: Divine Animator and Draftsman (Shoto Museum of Art)

ガンダム世代の人間にとって、安彦良和という人物は、特別な存在だ。

しかし、安彦良和については、ガンダムのアニメーターということだけを知っていて、他のことはよく知らなかった。

安彦良和は、北海道で開拓民の3世として生まれた。弘前大学に在学中、学生運動のリーダーとなり、メンバーの不祥事の責任を取って、大学を中退した。

その後、アニメ制作に関わるようになり、西崎義展の目に止まって宇宙戦艦ヤマトのスタッフに加わり、『さらば宇宙戦艦ヤマト』のクライマックス・シーンの絵コンテを書いたりもした。

ちょうど、つい直前にその映画をテレビで見ており、展示されていた実物の絵コンテを目にして、とても感慨深かった。

その後のガンダムにおける活躍は、よく知っている。

ガンダム以降も様々なアニメ作品を手がけ、ヤマトタケルなどの日本の神話をテーマにした作品や、イエスなどのキリスト教をテーマにした作品、日露戦争などをテーマにした作品など、その作品の多彩さには、驚きを隠せなかった。

そうした歴史や宗教などの重いテーマを描いたのは、学生運動に身を投じた、世の中に対する想いを、ずっと持ち続けていたからなのかもしれない。

あるいは、手塚治虫に憧れてこの世界に入った安彦良和は、アニメという存在を子供のためだけでなく、大人の鑑賞にも耐えうる芸術に高めようとしたその意志を、引き継いだのかもしれない。

For people of the Gundam generation, Yasuhiko Yoshikazu holds a special place in their heart.

However, all I knew about Yasuhiko Yoshikazu was that he was a Gundam animator, and I didn't know much else about him.

Yasuhiko Yoshikazu was born in Hokkaido as the third generation of pioneer settlers. While attending Hirosaki University, he became a leader of a student movement, then dropped out to take responsibility for a scandal involving one of his members.

He then became involved in anime production, and after catching the eye of Yoshinobu Nishizaki, he joined the Space Battleship Yamato staff and even wrote the storyboard for the climax scene of Farewell to Space Battleship Yamato.

I had just seen the film on TV, and was deeply moved when I saw the actual storyboard on display.

I am well aware of his subsequent work on Gundam.

After Gundam, he continued to work on a variety of anime titles, and the diversity of his work was astounding, ranging from works based on Japanese mythology such as Yamato Takeru, to Christian themes like Jesus, and even works on the Russo-Japanese War.

Perhaps his decision to depict such heavy themes like history and religion stems from the continued feelings he had about the world as a result of his involvement in the student movement.

Alternatively, Yasuhiko Yoshikazu, who entered the world of anime out of admiration for Osamu Tezuka, may have inherited Tezuka's determination to elevate anime to an art form that could be enjoyed not only by children but also by adults.

知覚の大霊廟をめざして（NTTインターコミュニケーション・センター） Toward a Mausoleum of Perception: MIKAMI Seiko’s Interactive Art Installations (ICC)

 

三上晴子のことは。寡聞にもこれまで知らなかった。2015年に急死してしまったアーティストだという。

この展覧会も、始めは行く予定ではなかった。

たまたま、アンチ・アクションという、現代美術における女性アーティストをテーマにした展覧会を見て、三上晴子も女性だったので、それで行ってみようということになった。

また、無響室で体験するアート作品があると知り、一度、無響室というものを経験してみたかったので、それもまた一つのモチベーションになった。

その無響室での作品は、”存在、皮膜、分断された身体”という作品だった。

本来は、体験者の心臓の鼓動を、リアルタイムに音に変換して、真っ暗な室内で、イスに座った体験者に四方のスピーカーから聴かせるというもの。

機械の問題により、実際には体験者からの音は取れず、あらかじめ用意された録音を聴くだけになっており、少し残念だった。

他にも、人が床に乗るとその重力で、映像や光が変化する”gravicells”や、何台ものカメラが人の動きに連動して動き、現在の映像と過去の映像を、マトリックス状のスクリーンに映し出す”欲望のコード”などの作品が、展示されていた。

”欲望のコード”は、買い物をする人々の行動を分析するという意図もあったという。

三上は、いわゆる”アーティスト”というよりは、よりリアルな世界に近い”デザイナー”あるいは”エンジニア”という側面が強いように感じた。

ルネサンスの時代は、ダ・ヴィンチにしてもミケランジェロにしても、芸術家は、教会や権力者のために、建物を設計し、彫刻を彫り、そして絵を描いた。

いつの間にか、彼らは特定のジャンルに活動を限定し、建築家、彫刻家、画家などと呼ばれるようになった。

三上の作品を鑑賞し、また体験しながら、そんなことを考えていた。

I had never heard of Mikami Seiko before, despite my limited knowledge. She is an artist who passed away suddenly in 2015.

I hadn't originally planned to go to this exhibition either.

By chance, I saw an exhibition called Anti-Action, which focused on female contemporary artists, and since Mikami Seiko was also a woman, I decided to go.

I also learned that there was an art piece to experience in an anechoic chamber, and since I'd always wanted to experience one, that was another motivation for me.

The piece in question was "Being, Membrane, Divided Body."

The original plan was to convert the participant's heartbeat into sound in real time, which would be played through speakers on all four sides of the room while the participant sat in a chair in a pitch-black room.

Due to a mechanical issue, the participant was unable to actually hear the sound, and instead listened to a pre-recorded recording, which was a bit disappointing.

Other works on display included "gravicells," in which images and light change due to gravity when a person steps on the floor, and "Codes of Desire," in which multiple cameras move in sync with people's movements, projecting current and past images onto a matrix-like screen.

"Codes of Desire" was also intended to analyze the behavior of shoppers.

Rather than being what we might call an "artist," Mikami seemed more like a "designer" or "engineer," someone closer to the real world.

During the Renaissance, artists like Da Vinci and Michelangelo designed buildings, carved sculptures, and painted pictures for the church and those in power.

Before we knew it, they limited their activities to specific genres, and came to be called architects, sculptors, painters, etc.

I was thinking about these things while viewing and experiencing Mikami's work.

浅川兄弟の遺した道（韓国文化院） The path left by the Asakawa brothers (Korean Cultural Center)

 

韓日国交正常化60周年を記念する展覧会。

韓国と日本の架け橋となった、浅川伯教・巧兄弟の功績を紹介するという内容だった。

浅川伯教は、彫刻家になることを夢見ながら山梨県で小学校の教員をしていたが、朝鮮の美術品を目にしたことをきっかけに、朝鮮に憧れを抱くようになった。

その思いは止められず、韓国併合後の1913年に母を連れて朝鮮にわたり、翌年には弟の巧も呼び寄せた。

浅川伯教は、朝鮮白磁の美しさに衝撃を受けて、その後35年をかけて、朝鮮半島の全土に及ぶ700ヶ所の窯跡をめぐり、陶片を収集した。

伯教は、陶片から、陶器のみならず、当時の人々の暮らしやその土地の様子がわかるとして、歴史の資料のように”陶片を読む”と語った。

弟の巧は、農業技術者として林業試験所で働き、日本からもたらされた苗ではなく、朝鮮の地元の苗を使い、朝鮮の山々に緑を取り戻した。

巧は、”山林を自然法に帰せ、それより道はない”と常に周囲の人々に語っていたという。

また巧は、朝鮮の工芸品の研究にも熱心で、『朝鮮の膳』や『朝鮮陶磁名考』などの書を書いた。

浅川伯教・巧兄弟は、柳宗悦らと協力して、1924年に朝鮮民族美術館を創設した。

会場には、そうした二人の業績を表す、様々な品々が展示されていた。

巧は、過労が祟り、1931年に急性肺炎で、わずか40歳で命を落とした。

伯教は、日本の敗戦後、朝鮮民族美術館の収蔵品を整理して、韓国側に引き渡した後に帰国し、1964年に80歳で亡くなった。

巧の墓は、戦争の後にしばらく荒廃していたが、韓国の人々によって綺麗に整備されて、今でも多くの人が墓参りに訪れているという。

浅川兄弟を中心とした、韓国と日本の人々との関係は、この2つの国の人々の豊かな交流が可能であることを、現在及び未来の人々に、強く訴えかけているようだ。

This exhibition commemorated the 60th anniversary of the normalization of diplomatic relations between Korea and Japan.

The exhibition introduced the achievements of the Asakawa brothers, Noriyuki and Takumi, who served as bridges between Korea and Japan.

Asakawa Noriyuki worked as an elementary school teacher in Yamanashi Prefecture, dreaming of becoming a sculptor. However, after seeing Korean art, he became fascinated with Korea.

Unable to stop his passion, he traveled to Korea with his mother in 1913 after the annexation of Korea, and the following year he invited his younger brother, Takumi, to join him.

Asakawa Noriyuki was so struck by the beauty of Korean white porcelain that he spent the next 35 years traveling to 700 kiln sites across the Korean Peninsula to collect pottery shards.

Noriyuki said he "reads pottery shards" like historical documents, believing that they reveal not only the pottery itself but also the lifestyles of the people at the time and the state of the land.

His younger brother, Takumi, worked as an agricultural engineer at the Forestry Research Institute, using local seedlings instead of those brought from Japan, and restored greenery to Korea's mountains.

Takumi is said to have always told those around him, "Return the mountains and forests to the laws of nature; there is no other way."

Takumi was also passionate about studying Korean crafts, and wrote books such as "Korean Dining" and "Considerations on Korean Ceramics."

Brothers Takumi and Asakawa, in collaboration with Yanagi Muneyoshi and others, founded the Korean National Museum of Art in 1924.

The exhibition featured a variety of items that exemplified the achievements of these two men.

Takumi died of acute pneumonia in 1931 at the age of just 40, due to overwork.

After Japan's defeat in the war, Takumi organized the museum's collection and handed it over to the Korean side before returning to Korea, where he died in 1964 at the age of 80.

Takumi's grave fell into disrepair for a while after the war, but it was beautifully restored by the people of South Korea, and many people still visit to this day.

The relationship between the people of Korea and Japan, centered around the Asakawa brothers, seems to be a strong message to people of the present and future that rich exchanges between the people of these two countries are possible.

日本と韓国、アートの80年（横浜美術館） Art between Japan and Korea since 1945 (Yokohama Museum of Art)

この美術館がリニューアルを終えてから、初めて訪れたのがこの展覧会だった。

5つの章から構成されていた。

第1章は、在日コリアンの作家の作品。戦後すぐの時期とあって、その作品は、重苦しい雰囲気が濃厚に感じられる。

韓国への帰国船を、独特のダークな雰囲気のタッチで描いた、宋英玉の作品が印象的だった。その時代の暗さが、それを知らない世代にもダイレクトに伝わってくる。

船の小さな窓から、不安そうな顔が見える。船の梯子は、途中が壊れていて、とても上り下りできる状態ではない。それは、帰国船の状況を暗示した表現なのだろう。

第2章は、ナムジュン・パイクと日本のアーティストの関係。

1986年のバイ・バイ・キップリングという映像作品は、東京とニューヨークが映像でつながり、磯崎新、三宅一生、坂本龍一などが登場していた。

いわゆるバブル時代。なんでもありの時代で、国境を越えて人々が交流し、今よりももっと自由な時代だったことが、映像から伝わってくる。

第3章は、国交正常化以降の両国のアートを巡る交流を紹介。唯一、このコーナーだけが撮影可能だった。

関根伸夫、李禹煥、斎藤義重、山口長男、高松次郎、菅木志雄などの作品が並んでいた。

残念ながら、韓国側のアーティストの名前は、寡聞にも誰も聞いたことがなかった。

第4章は、中村政人、村上隆、イ・ブルなどの作品を展示。

この時代から、ビデオ・アートやオブジェのアートが主流になり、両国のアーティストたちの作品にも、そうした形式の作品が多くなった。

最後の第5章では、武蔵野美術学校と朝鮮大学校とのアーティストたちの交流が、とても印象的だった。

隣同士のある二つの学校は、これまで目立った交流はなかったという。そのことが、日本と韓国の関係を、まさに象徴しているようで、思わず苦笑してしまった。

果たして、この2つの隣国は、アートを通じて、これからよりよい関係を築いていけるのだろうか？

This was my first visit to the museum since its renovation.

It was composed of five chapters.

Chapter 1 featured works by Korean artists living in Japan. As it was created shortly after the war, the works have a strong sense of oppressive atmosphere.

I was particularly impressed by Song Young-ok's work, which depicts a ship returning to Korea with a distinctively dark touch. The darkness of that era is directly conveyed to a generation unfamiliar with it.

Anxious faces can be seen from the ship's small window. The ladder is broken in the middle, making it impossible to climb up or down. This is perhaps an allusion to the conditions on the ship.

Chapter 2 explores the relationship between Nam June Paik and Japanese artists.

His 1986 video work, Bye Bye Kipling, connects Tokyo and New York through video, and features artists such as Arata Isozaki, Issei Miyake, and Ryuichi Sakamoto.

This was during the so-called bubble era. The footage conveys that it was an era of anything-goes, people interacting across borders, and a much freer period than we have today.

Chapter 3 explores the art-related exchanges between the two countries since the normalization of diplomatic relations. This was the only area where photography was permitted.

Works by Nobuo Sekine, Lee Ufan, Yoshishige Saito, Takeo Yamaguchi, Jiro Takamatsu, and Kishio Suga were on display.

Unfortunately, I had never heard of any of the Korean artists.

Chapter 4 featured works by Masato Nakamura, Takashi Murakami, and Lee Bul, among others.

From this era, video art and object art became mainstream, and artists from both countries increasingly used these forms in their works.

The final chapter, Chapter 5, was particularly striking, showcasing the exchanges between artists from Musashino Art School and Korea University.

The two neighboring schools had apparently not had any significant exchanges until then. This seemed to perfectly symbolize the relationship between Japan and Korea, and brought a wry smile to my face.

Can these two neighboring countries really build a better relationship through art?

遠い窓へ 日本の新進作家（東京都写真美術館） Contemporary Japanese Photography (Tokyo Photographic Art Museum)

開館30周年を記念して行われた、日本の新進写真家たちの展覧会。

This exhibition of up-and-coming Japanese photographers was held to commemorate the museum's 30th anniversary.

スクリプカリウ落合安奈は、母国のルーマニアを訪れた時のスナップショットを、スライドにして展示。

隣国のウクライナでは、先の見えない戦争が続いているが、母国では、その土地でずっと暮らしている人々の、変わることない、昔ながらの生活があった。

Anna Skripkariu Ochiai exhibited slides of snapshots from her visits to her native Romania.

While war with no end in sight continues in neighboring Ukraine, in her home country, the people who have lived there for a long time continue to live their lives unchanged, as they always have.

甫木元空は、余命宣告された母親の元を訪れて、その最後の日々を記録した。

母親の生前の写真と、その死後の風景の写真を、一つのフレームに収めるというユニークな構成だった。

Genku Hoki visited his mother, who had been given a terminal diagnosis, and recorded her final days.

The unique composition of the work combines a photograph of his mother while she was alive and a photograph of the scenery after her death, all in one frame.

岡ともみは、暗い部屋の中に、古い柱時計が立ち並んでいるというユニークな展示方法。

あの世では、すべてが逆さまになっていることから、時計の文字盤は逆になっている。

それぞれの時計の振り子の部分には、古い日本の習慣を暗示するテーマの、写真や映像が浮かび上がっている。

近づいて中を覗かないと、その様子はよくわからない。

Tomomi Oka's unique exhibition involves a row of old grandfather clocks standing in a dark room.

The clock faces are reversed, as everything is upside down in the afterlife.

The pendulum of each clock displays photographs and videos with themes that allude to old Japanese customs.

You can't really tell what's going on unless you get close and look inside.

呉夏枝のは、これまたユニークな展示方法だった。

部屋の中に、布が糸で吊るされている。その布には、太平洋の島々の風景や、プランテーションで厳しい労働を強いられた人々の様子が、映り込んでいる。

部屋の奥には、18世紀のイギリスで出版された、太平洋地域の地図が映されている。

呉は、この地域を飛ぶ渡り鳥が見ているであろう情景を、このような形で表現したかったようだ。

渡り鳥たちにとっては、国境や植民地など、全く自分たちには関係のないことだったろう。

Wu Xia-chih's exhibition method was also unique.

Cloth was hung by threads in the room, reflecting images of Pacific island landscapes and people forced to do hard labor on plantations.

At the back of the room, a map of the Pacific region published in Britain in the 18th century was projected.

In this way, Wu appears to have wanted to express the scenery that migratory birds flying over the region would see.

To migratory birds, borders and colonies would have been completely irrelevant.

北条政子 - 鎌倉を生きた女性たち（鎌倉文化歴史館） Hojo Masako - Women who lived in Kamakura (Kamakura Museum of History and Culture)

北条政子の没後800年を記念する展覧会が、鎌倉文化歴史館で行われた。

北条政子は、夫の源頼朝の死後、危機にあった鎌倉幕府を支えた。

それは、決して小説なドラマが作り上げた創作ではなく、事実だった。

『吾妻鏡』や『鎌倉年代記』では、鎌倉幕府の4代目将軍は、九条頼経ではなく、はっきりと”平政子”と書かれている。

源頼朝の妻となったのに、旧姓の”平”と書かれているのは興味深い。当時の結婚に対する考え方が、現在とは違っているのだろう。

政子は、源実朝の死後の後継者をめぐり、自ら京都に赴いて、後鳥羽上皇に近い藤原兼子と対面し、協議を行なった。

『愚管抄』を書いた慈円は、このことを”日本は女性が政治を動かす国になった”とした。

室町時代の一条兼良も、”政子は夫の頼朝が間違っていた場合は指摘した。また『貞観政要』を仮名で書かせて政治の手引きとした。”と、政子を高く評価した。

かつて鎌倉の地にあった巨大寺院の永福寺の施主を、政子は頼朝から引き継いでいる。

その永福寺跡から発見された、経塚とその中にあった遺物が展示されていた。

政子か、その周辺の人物が収めたものではないか、と考えられているという。

飛鳥時代、天武天皇の死後、妻の持統天皇が大きな役割を果たした。そして、鎌倉時代には、政子が源頼朝の死後、鎌倉幕府の維持に努めた。

日本の大きな歴史の転換点に、女性が大きな歴史を果たしたということは、実に興味深い。

いずれも、後継者問題が原因で、その妻が次の死後の混乱を治めたという構図になっている。

最後のコーナーでは、政子と同じ時代の鎌倉の女性たちが紹介されていた。

彼女たちは政子ほど名前が知られていたないが、多くの女性が鎌倉と京都との関係を維持する役割を果たしていたことがよくわかった。

An exhibition commemorating 800 years since the death of Hojo Masako was held at the Kamakura Museum of Culture and History.

Following the death of her husband, Minamoto no Yoritomo, Hojo Masako supported the Kamakura shogunate during its time of crisis.

This was no fictionalized fiction, but a fact.

In the Azuma Kagami and Kamakura Chronicles, the fourth shogun of the Kamakura shogunate is clearly listed as "Taira Masako," not Kujo Yoritsune.

It is interesting that even though she became the wife of Minamoto no Yoritomo, her maiden name, "Taira," is listed. Perhaps attitudes toward marriage at the time were different from those of today.

Regarding the succession after Minamoto no Sanetomo's death, Masako traveled to Kyoto to meet and discuss with Fujiwara no Kaneko, who was close to the retired Emperor Go-Toba.

Jien, author of the Gukansho, noted that this marked "Japan becoming a country where women were in charge of politics."

Ichijo Kaneyoshi, who lived during the Muromachi period, also spoke highly of Masako, saying, "Masako would point out when her husband, Yoritomo, was wrong. She also had him write the Jogan-yo (Essay on Government) in kana as a political guide."

Masako took over from Yoritomo as the patron of Eifuku-ji, a huge temple that once stood in Kamakura.

A sutra mound and the artifacts found within it, discovered at the site of Eifuku-ji, were on display.

It is thought that the artifacts may have been donated by Masako or someone close to her.

During the Asuka period, after the death of Emperor Tenmu, his wife, Empress Jitō, played a major role. Then, during the Kamakura period, Masako worked to maintain the Kamakura shogunate after the death of Minamoto no Yoritomo.

It is truly fascinating that women played such important roles at major turning points in Japanese history.

In both cases, the issue of succession was the cause, and the wives then took charge of the chaos that followed.

The final section introduced women of Kamakura who lived in the same era as Masako.

Although they were not as well known as Masako, it became clear that many of them played a role in maintaining the relationship between Kamakura and Kyoto.

作家の現在 これまでとこれから（東京都写真美術館） State of the Artists: So Far and From Now On (TOP Museum)

広く活躍する主要な写真家の、過去と現在の作品を紹介する、東京都写真美術館のコレクション展。

石内都の作品は、広島の平和記念資料館に収蔵されている、被爆者の遺品を撮影したもの。

何度も目にしてきた作品だが、目のするたびに、それは写真以上の存在としてこちらに迫ってくる。

2008年に宮城に移住して、2011年の東日本大震災で被災した志賀理江子の作品からは、どうしても震災の記憶が滲み出ている。

志賀の作品は、いつも、被写体と志賀とのダイアローグになっている。

これまで目にしていたのかもしれないが、金村修という名前は、この展覧会で初めて”認知”した。

一手間加えたモノクロの都市の写真や、パステル色のコラージュ作品が、とても印象に残った。

同じ苗字であることと、広島をテーマにしていることから、目を引かれた藤岡亜弥。

広島市内に暮らし、2018年以降の原爆投下の日の様子を撮影し続けているシリーズは、どれもスナップ・ショットだが、確実のその時々の様子を記録している。

最後は、川田喜久治。原爆の黒い雨、ドイツのノイシュヴァンシュタイン城、新型コロナ流行時のマスク姿など。

川田の作品は、写真の中の静止した世界から、見る者の中で確実にあるストーリーが始まる。

This exhibition from the collection of the Tokyo Photographic Art Museum introduces past and present works by leading photographers active across a wide range of fields.

Ishiuchi Miyako's works are photographs of the belongings of atomic bomb survivors housed at the Hiroshima Peace Memorial Museum.

I have seen these works many times, but each time I look at them, they approach me as something more than photographs.

Shiga Rieko, who moved to Miyagi in 2008 and was affected by the Great East Japan Earthquake in 2011, inevitably exudes memories of the disaster through her work.

Shiga's works always form a dialogue between herself and her subjects.

I may have seen her works before, but this exhibition was the first time I "recognized" the name Kanemura Osamu.

His elaborate monochrome city photographs and pastel collages left a strong impression.

Fujioka Aya caught my eye because we share the same surname and her work is themed around Hiroshima.

Living in Hiroshima, Kawada has been photographing the days of the atomic bomb since 2018 in this series. Each shot is a snapshot, but they clearly record the events of that time.

Our final work is by Kikuji Kawada. Images include the black rain from the atomic bomb, Neuschwanstein Castle in Germany, and wearing a mask during the COVID-19 pandemic.

In Kawada's works, a story undoubtedly begins in the viewer's mind, starting from the still world of the photograph.

刺繍―針がすくいだす世界（東京都美術館） Embroidery―Expression of Life from the Rhythm of a Needle (Tokyo Metropolitan Art Museum)

5人の作家による、刺繍の作品を展示した展覧会。

伝統的な手法を使った平野利太郎。

刺繍という方法を使い、絵画のような風景を描いた尾上雅野。刺繍の技術の見事さもさることながら、そこには、豊かな詩情を感じる。

岡田美佳の作品は、刺繍が盛り上がるように縫い付けられていて、彫刻のレリーフ作品のようだ。

伏木庸平の作品は、”雑巾”に色鮮やかな糸を縫い付けたり、巨大な竜のようなオブジェだったり、”刺繍”という枠を完全に飛び越えている。

そして、最後は、インドのベンガル地方に伝わる、カンタという伝統的な刺繍に刺激を受けて作品を制作した望月真理。

同時に、東京都コレクションによって、江戸時代以降の刺繍の流れが展示されていた。

江戸時代のたばこ入れ、女学校での刺繍の授業の様子を描いた絵ハガキ、刺子の消防服、そして戦争中の千人針など。

その後は、現代アーティストたちの作品が並んでいた。

福田尚代の作品は、3つの文庫本に、微かに刺繍が施されている。

福田の作品は、常に繊細さが際立っている。本を使った作品が多いが、福田は本に印刷されている言葉の一つ一つにまで、気を配って作品を制作しているようだ。

そして、青山悟。世界地図を刺繍で作った作品。光を当てると、国境線と国名が現れる。

自然としての世界の姿と、人間の欲望としての世界の姿の対比が、冷静かつ皮肉に満ちた視点で表現されている。

刺繍に興味を持ったのは、目黒美術館で青山悟の展覧会を見たのがきっかけだった。

青山は、アリギエロ・ボエッティの”Mappa”へのオマージュとしてこの世界地図のシリーズ作品を制作した。

ボエッティは、アフガニスタンのカブールに建物を借りて、そこに人々を集めて”Mappa”のシリーズを制作させた。

これについて話し始めると、長くなってしまうので、この展覧会の印象としては、ここまでにしておこう。

This exhibition featured embroidery works by five artists.

Hirano Ritaro used traditional techniques.

Onoe Masano used embroidery to depict picturesque landscapes. Not only are the embroidery techniques impressive, but there's also a rich sense of poetry in their work.

Okada Mika's works, with raised embroidery, resemble sculptural reliefs.

Fushiki Yohei's works completely transcend the boundaries of "embroidery," from sewn colorful thread onto "dust rags" to giant dragon-like objects.

And finally, Mochizuki Mari, whose work was inspired by the traditional Kantha embroidery of Bengal, India.

At the same time, the Tokyo Metropolitan Collection also displayed embroidery from the Edo period onward.

Items included a tobacco pouch from the Edo period, a postcard depicting an embroidery class at a girls' school, a sashiko firefighter's uniform, and wartime senninbari stitching.

After that, works by contemporary artists were displayed.

Her work, by Hisayo Fukuda, features subtle embroidery on three paperback books.

Fukuda's work is always strikingly delicate. Many of her pieces use books, and it feels as though Fukuda has paid attention to every single word printed on them.

And then there's Aoyama Satoru, whose work is an embroidered world map. When light is shone on it, national borders and country names become apparent.

The contrast between the world as nature and the world as human desire is expressed from a cool, ironic perspective.

My interest in embroidery began after seeing Aoyama Satoru's exhibition at the Meguro Museum of Art.

Aoyama created this world map series as an homage to Alighiero Boetti's "Mappa."

Boetti rented a building in Kabul, Afghanistan, and gathered people there to create his "Mappa" series.

This would take too long to explain, so I'll leave it at that for my impressions of the exhibition.