動物と人間のあいだ（生活工房） PART OF ANIMAL (Lifestyle Design Center)

 

人間と動物の関係について、文化や科学、アートなどの様々な側面から取り上げたユニークな展覧会だった。

動物を食べてきた人類は、かつてはそれを与えてくれた神や、殺す対象の動物に対して感謝を捧げてきた。

鹿や獅子などの力にあやかって、それらを真似て踊ったり、祭の中に取り込んできた。

科学の時代になると、動物を観察したり、その死体を剥製としたり、動物のことを知ろうとしてきた。

現在では、生活の場を奪われて、食べ物に困ったクマが、人を襲うというニュースもよく聞く。

アートの世界でも、可愛い存在として、あるいは自然や神の象徴として動物を描いてきた。

動物というテーマに対して、学問の世界と人々の暮らしとが、アートという媒介を通してつながっていくように感じられた展覧会だった。

This was a unique exhibition that looked at the relationship between humans and animals from various angles, including culture, science, and art.

Humans, who have eaten animals, have given thanks to the gods who provided them and to the animals they killed.

People imitated the power of animals such as deer and lions, and incorporated them into festivals.

In the age of science, people tried to learn more about animals by observing them and stuffing their carcasses.

Nowadays, we often hear news of bears attacking people because they have lost their habitat and are struggling for food.

In the world of art, animals have also been depicted as cute creatures or as symbols of nature and gods.

This exhibition felt like a connection between the academic world and people's lives through the medium of art, with the theme of animals.

来たる世界2075 テクノロジーと崇高（GYRE GALLERY） The Coming World 2075 Technology and Sublime (GYRE GALLERY)

キュレーターは、メディアを通じた全体主義世界を予見した、ハイデッガーの『世界像の時代』を参照しながら、この展覧会のテーマを述べている。

アンドレア・サモリー、井田大介、牧田愛、イオナ・ズールという4人のアーティストによる展示は、テクノロジーがより発展した将来において、人間はどのようになっているのか、を想像させる内容だった。

2075年とは、その年時代にあまり大きな意味はなく、50年という数字を使って、未来を表したかったのだろう。

過去を振り返ってみれば、今から50年前は、1975年になる。

確かに昭和の時代であり、現在のようなインターネットやスマートフォンはなく、まだ冷戦の時代だった。

テクノロジーという観点では、変化があったのかもしれないが、人間の生活は、それほど変わっていないようにも感じられる。

未来とは、あくまでも現在の人々が予測、想像する、現在の延長としての”未来”であって、実際にその時間が進んだ後の、その時の”現在”とは異なったものだろう。

美術館で行われる大規模な展覧会ではなかったが、内容はそれに匹敵あるいはそれを凌駕するような、様々なインサイトを感じさせる、充実した展示内容だった。

The curator stated the theme of the exhibition with reference to Heidegger's "The Age of the World Picture," which predicted a totalitarian world through media.

The exhibition by four artists, Andrea Samory, Daisuke Ida, Ai Makita, and Ionat Zurr, allowed us to imagine what humans will be like in the future when technology has become more advanced.

The year 2075 does not have much meaning, and the number 50 was probably used to represent the future.

Looking back, 50 years ago was 1975.

It was certainly the Showa era, and there was no internet or smartphones like today, and it was still the Cold War era.

There may have been changes in terms of technology, but it seems that human life has not changed much.

The future is merely a "future" that people today predict and imagine as an extension of the present, and it will be different from the "present" at that time after time has actually progressed.

Although it was not a large-scale exhibition held at a museum, the content was rich and provided a variety of insights that were comparable or even surpassed those of other museums.

片桐石州の茶（根津美術館） The Way of Tea in Katagiri Sekishū Style (Nezu Museum)

戦国時代の武将で、徳川家と豊臣家の大阪城をめぐる戦いで登場する片桐且元と、この片桐石州の関係が、よくわからなかった。

この展覧会で、石州（貞昌）は且元の弟の子であったことを確認することができた。

片桐石州は、古田織部、小堀遠州に続いて、4代将軍家綱の前で点前を行い、その茶人としての地位を確立し、石州はその後の武家茶の”スタンダート”となった。

平戸藩主の松浦鎮信、松江藩主の松平不昧、彦根藩主の井伊直弼など、茶人として知られる有名な藩主たちが、皆、石州の茶を学んでいたことを知り、驚いた。

石州にちなんだ、茶入、茶杓、掛け軸などの様々な品々が展示されていたが、なぜか茶器が一つも展示されていなかった。

他の美術館からの展示もあり、ゆかりの茶器を展示することはできたであろうが、何故、展示しなかったのだろうか？

展示されていた品々よりも、展示されていなかった石州の茶器の方が、気になってしまった展示会だった。

I was not sure about the relationship between Katagiri Katsumoto, a warlord in the Sengoku period who appeared in the battle for Osaka Castle between the Tokugawa and Toyotomi clans, and Katagiri Sekishu.

At this exhibition, I was able to confirm that Sekishu (Sadamasa) was the son of Katsumoto's younger brother.

Following in the footsteps of Furuta Oribe and Kobori Enshu, Katagiri Sekishu performed tea in front of the fourth shogun, Ietsuna, establishing his status as a tea master, and Sekishu became the "standard" for samurai tea thereafter.

I was surprised to learn that famous feudal lords known as tea masters, such as Hirado feudal lord Matsuura Chinshin, Matsue feudal lord Matsudaira Fumai, and Hikone feudal lord Ii Naosuke, all studied Sekishu tea.

Various items related to Sekishu, such as tea caddies, tea scoops, and hanging scrolls, were on display, but for some reason, not a single tea utensil was on display.

There were also exhibits from other museums, so it would have been possible to display tea utensils related to Sekishu, but why were they not displayed?

This was an exhibition where I found myself more interested in the Sekishu tea utensils that were not on display than in the things that were on display.

 

ラムセス大王展（CREVIA BASE Tokyo） Ramses the Great and the Gold of the Pharaohs (CREVIA BASE Tokyo)

古代エジプト、新王国第19代王朝のファラオで、古代エジプトで最も偉大なファラオとされる、ラムセス2世をテーマにした、大規模な国際展。

博物館とは違った巨大な特設会場で、約180点の展示品もスペースを持って展示されており、所々に巨大なスクリーンでのビデオ上映、解説のパネルなどが設置されて、通常の展覧会と違ったエンターテイメントに溢れた内容だった。

ラムセス2世は、90歳で亡くなるまでの間、70年という歴代ファラオの中では驚くほど長期間ファラオとして君臨した。

有名なカデシュの戦いなどの多くの戦いによって積極的に領土の拡大を図り、アブ・シンベル神殿に代表される巨大な建築物を残した。

最初に、ラムセス2世の生涯を紹介するビデオが流されて、見終わると展示場への入り口が開く。その入り口の正面で、ラムセス2世の巨像の頭部が来場者を迎える。

展示品は、そのラムセス2世の若い頃の彫像やオベリスク、カデシュの戦いを描いたレリーフ、王妃やゆかりの人物にまつわる展示、歴代のファラオたちの黄金のマスクや豪華な金の装飾品、動物のミイラなど。

展示スペースの最後には、ラムセス2世の巨大な棺が恭しく展示されていた。

レバノン杉で作られたというその棺は、当初はその表面に下地が塗られていたせいかもしれないが、まるでつい最近作られたように綺麗な状態で残されていて、3000年以上前に作られたとは、俄かには信じれらないほどだった。

これまで、大英博物館やベルリン美術館の収蔵品による古代エジプト展など、数多く見てきたが、それらと比べても、今回の展示内容は明らかに充実していた。

その分、入場料も通常の展覧会に比べると高価だったが。

This large-scale international exhibition is themed on Ramses II, the pharaoh of the 19th dynasty of the New Kingdom and considered the greatest pharaoh of ancient Egypt.

The exhibition is held in a huge special venue, unlike a museum, with about 180 exhibits on display, and with video screenings on huge screens and explanatory panels set up here and there, it was full of entertainment that was different from a normal exhibition.

Ramses II reigned as pharaoh for an astonishingly long period of time among the pharaohs, 70 years, until his death at the age of 90.

He actively expanded his territory through many battles, including the famous Battle of Kadesh, and left behind huge buildings such as the Abu Simbel Temple.

First, a video introducing the life of Ramses II is played, and after watching it, the entrance to the exhibition hall opens. In front of the entrance, the head of a colossus statue of Ramses II welcomes visitors.

The exhibits included statues and obelisks of Ramses II when he was young, a relief depicting the Battle of Kadesh, exhibits related to the queen and people associated with him, golden masks and luxurious gold ornaments of past pharaohs, and animal mummies.

At the end of the exhibition space, a huge coffin of Ramses II was respectfully displayed.

The coffin, made of cedar of Lebanon, was in such good condition that it looked as if it had been made just recently, perhaps because it had originally been painted with a primer, and it was hard to believe that it was made more than 3,000 years ago.

I have seen many ancient Egyptian exhibitions from the British Museum and the Berlin Museum of Art, but the content of this exhibition was clearly more substantial than those.

The admission fee was therefore higher than that of regular exhibitions.

ミロ展（東京都美術館） Juan Miro (Tokyo Metropolitan Art Museum)

2022年、渋谷のBunkamuraで20年ぶりというミロの大回顧展が開かれた。その時のテーマは、日本とのつながりだった。

今回は、それ以来のミロ展。内容は、オーソドックスにミロの生涯と、その作風の翩々を辿るという内容だった。

パリに出る以前のミロの作品は、後期印象派、未来派などの影響を受けているものが多い。

パリに出てからは、その作風がガラッと変わる。シュルレアリスムなどの影響を受けたのか、”絵画を暗殺する”と宣言し、伝統的な絵画の手法にこだわらない、様々な試みを行った。

ミロは、詩についてもとても関心があり、作品の中に詩文を書いたりしていた。

日本の前衛詩人であった瀧口修造が、ミロに興味を持って、世界で初めて評論を書いたというが、滝口はミロの絵の中に、そうした詩情を感じたのかもしれない。

ヨーロッパが第2次大戦になり、スペイン内戦などもあって精神的に不安定になった時期、ミロは1940年1月から”星座”シリーズを描いた。

アンドレ・ブルトンは、『シュルレアリスムと絵画』の中で、ミロの”星座”シリーズを取り上げて、”芸術におけるレジスタンス”と位置つけた。

晩年になってもミロは、常に変化し続けていた。

日本の書道や、アメリカのモダンアートに影響された作品も展示されていた。

ユニークな展示としては、FCバルセロナ75周年を記念するポスターがあった。バルセロナに生まれたミロは、当然のことながらバルサのファンだったのだ。

In 2022, a major retrospective of Miro's work was held at Bunkamura in Shibuya for the first time in 20 years. The theme at that time was the connection with Japan.

This is the first Miro exhibition since then. The content was an orthodox look at Miro's life and the variability of his style.

Many of Miro's works before he went to Paris were influenced by Post-Impressionism and Futurism.

After he went to Paris, his style changed completely. Perhaps influenced by Surrealism and other movements, he declared that he would "assassinate painting" and made various attempts that did not stick to traditional painting techniques.

Miro was also very interested in poetry, and wrote poems and prose in his works.

It is said that Japanese avant-garde poet Shuzo Takiguchi became interested in Miro and was the first person in the world to write a critique of his work, and Takiguchi may have felt that poetic sentiment in Miro's paintings.

During a period of mental instability due to the Second World War in Europe and the Spanish Civil War, Miro began painting his "Constellations" series in January 1940.

In his book "Surrealism and Painting," Andre Breton focused on Miro's "Constellations" series and positioned it as "artistic resistance."

Even in his later years, Miro continued to change.

Works influenced by Japanese calligraphy and American modern art were also on display.

One unique exhibit was a poster commemorating the 75th anniversary of FC Barcelona. Miro, who was born in Barcelona, ​​was naturally a Barca fan.

ヒルマ・アフ・クリント（東京国立近代美術館） Hilma af Klint: The Beyond (National Museum of Modern Art, Tokyo)

ヒルマ・アフ・クリントのことを知るようになったのは、2020年頃からだっただろうか。

北欧を旅して、その後に北欧の歴史や文化、芸術などについて調べるうちに、カンディンスキーらよりも早く抽象絵画を描いた女性の画家、ヒルマ・アフ・クリントという存在のことを知るようになった。

2023年に、彼女のことをテーマにしたドキュメンタリー映画が公開された時、日本でもようやく注目されるのかなと思ったが、映画館には私の他には数人しかおらず、メディアなどでもそれほど大きくは取り上げられなかった。

昨年、この展覧会の開始が発表された時は、ようやく日本でも彼女の作品が大々的に紹介されるようになったかと、感慨深かった。

本国のスウェーデンでは、2013年に大規模な回顧展が行われて、その後ヨーロッパを巡回してからその名が広く知られるようになった。

そして2018年にニューヨークのグッゲンハイム美術館での回顧展が、60万という同美術館の過去最高の来場者数記録を達成し、その知名度は決定的なものになった。

そのカタログを見ると、今回の東京での出品作品は、グッゲンハイム展の作品とほぼ同じようようだ。

展覧会のコピーには、”アジア初上陸”とものものしい言葉が踊っているが、2024年の恵比寿映像祭におけるロジャー・マクドナルドの展示において、数点の作品が展示されているように記憶している（模写かもしれないが）。

さて、この展覧会についてである。

”10の最大物”と言われる10点の3メートルX2メートルの巨大な10点の作品。とにかくその巨大さには圧倒された。

印象派以降の近代の絵画は、一般の家の壁にも飾れるくらいのサイズの絵が多い。

クリントの巨大な作品は、それ以前の教会や宮殿などに飾るためのサイズで、彼女はそれらの作品は、将来作られるであろう神殿のような施設に展示されることを意図していたようだ。

抽象絵画と言われるクリントの絵だが、白鳥や巻貝、植物の蔓のような線など、多くの絵に共通して現れるイメージがある。

穀物について描いた水彩のシリーズは、麦などの穀物のスケッチと、その穀物を霊的に解釈したような様々な色で描かれた円が並んでいる。

同じ抽象画といっても、カンディンスキーやモンドリアンの作品は、どこか理知的な印象があるが、クリントの作品は、より単純化されて、また感覚的な抽象画という印象を持った。

最後のコーナーでは、クリントの生涯と、彼女に関係する様々な出来事などが資料とともに展示されていた。

コメニウスの教育思想、神智学の書物、シュタイナーとの交流、ゲーテの色彩思想などなど。

クリントが残した膨大な数の作品も、そうしたことから解明していけば、いろいろなことがわかってくるのだろう。

この展覧会では、彼女の描いた作品の前に立ち、彼女が受け取ったという霊的なメッセージがどんなものだったのか、微かながら、伝わってきたように感じられた。

そしてその感覚こそ、現代の人々が、取り戻すべき感覚などではないか、とも思われた。

I think it was around 2020 that I started to know about Hilma af Klint.

After traveling to Scandinavia and researching Scandinavian history, culture, and art, I learned about Hilma af Klint, a female painter who painted abstract paintings earlier than Kandinsky and others.

When a documentary film about her was released in 2023, I thought that she would finally attract attention in Japan, but there were only a few people other than me at the cinema, and she was not covered much in the media.

When the opening of this exhibition was announced last year, I was deeply moved that her work was finally being introduced in Japan.

In her home country of Sweden, a large-scale retrospective was held in 2013, and her name became widely known after touring Europe.

Then in 2018, a retrospective at the Guggenheim Museum in New York achieved the museum's highest record ever of 600,000 visitors, solidifying her popularity.

Looking at the catalog, the works exhibited in Tokyo this time seem to be almost the same as those in the Guggenheim exhibition.

The exhibition copy has some serious words like "first time in Asia," but I remember that several works will be exhibited at Roger McDonald's exhibition at the Yebisu International Festival for Art & Alternative Visions in 2024.

Now, about this exhibition.

There are 10 huge works measuring 3 meters by 2 meters, which are said to be the "10 largest." I was simply overwhelmed by their size.

Many modern paintings after Impressionism are large enough to be displayed on the walls of an ordinary house,

Klint's huge works are sized to be displayed in churches and palaces before that, and she intended for them to be displayed in temple-like facilities that would be built in the future.

Klint's paintings are said to be abstract, but there are images that appear in many of his paintings, such as swans, conch shells, and lines like vines.

The series of watercolors about grains includes sketches of grains such as wheat and circles painted in various colors that seem to interpret the grains spiritually.

Although they are both abstract paintings, the works of Kandinsky and Mondrian have a somewhat intellectual impression, while Klint's works give the impression of being more simplified and sensual abstract paintings.

In the last corner, Klint's life and various events related to her were exhibited with materials.

Comenius's educational ideas, Theosophical books, his interactions with Steiner, Goethe's color ideas, etc.

If we can unravel the vast number of works that Klint left behind from these perspectives, we will probably be able to understand many things.

Standing in front of her works at this exhibition, I felt like I could get a vague idea of ​​what kind of spiritual messages she received.

And I thought that this feeling is the very feeling that people today should regain.

東野芳明と戦後美術（富山県美術館） Tono Yoshiaki and Postwar Art (Toyama Prefectural Museum of Art and Design)

東野芳明という美術評論家のことは、ある程度には知っていた。

東野は、若い時に書いたパウル・クレーについての評論が瀧口修造らに評価されて、美術評論家としてスタートを切った。

瀧口修造はこの富山県美術館に所縁が深く、東野自身も美術館のコレクション収集に大きな役割を果たしたということから、今回の展覧会が企画されたようだ。

それにしても、およそ70人ほどのアーティストの作品が展示されていて、文字通り、国内外を通じてポストウォーのアートの流れを外観するような内容で、充実していた。

その作品のほとんどは、この富山県美術館の収蔵作品であり、ある意味で、東野という人物にちなんだ、大規模なコレクション展、と総括できるかもしれない。

パウル・クレーに始まり、駒井哲郎、マックス・エルンスト、ダリ、ミシェル・タピエス、ルーチョ・フォンターナ、荒川修作、横尾忠則、アンディ・ウォーホル、クリスト、フランク・ステラ、斎藤善重、などなど。

サム・フランシスやジャスパー・ジョーンズとは交友関係もあり、その様子が写真や記録文書などにより紹介されていた。

会場のあちこちには、東野の著作が置かれて、自由に読めるようになっていた。残念ながら、その本のほとんどは、今は書店では手に入れることができない。

マルセル・デュシャンについては、東野も1冊の本を書いたほど重視していたようで、展示も1つの章が割かれていた。

企画展にも何点か展示されていたが、見終わった後で常設展示の瀧口修造のコレクション・ルームを訪ねて、他にも瀧口修造のデカルコマニーなどの作品を見ることができた。

I knew a certain amount about the art critic Yoshiaki Tono.

Tono started his career as an art critic after his critique of Paul Klee, written in his youth, was highly praised by Shuzo Takiguchi and others.

Shuzo Takiguchi has a deep connection with the Toyama Prefectural Museum of Art, and Tono himself played a major role in collecting the museum's collection, which is why this exhibition was planned.

In any case, the exhibition featured works by about 70 artists, and was rich in content that literally provided an overview of post-war art trends both in Japan and abroad.

Most of the works were from the collection of the Toyama Prefectural Museum of Art, and in a sense, it could be summarized as a large-scale collection exhibition named after the person Tono.

Starting with Paul Klee, there were Tetsuro Komai, Max Ernst, Dali, Michel Tapies, Lucio Fontana, Shusaku Arakawa, Tadanori Yokoo, Andy Warhol, Christo, Frank Stella, Yoshishige Saito, and many more.

He was also friends with Sam Francis and Jasper Jones, and their friendship was introduced through photographs and documents.

Tono's books were available for free reading throughout the venue. Unfortunately, most of these books are no longer available in bookstores.

Tono also placed great importance on Marcel Duchamp, to the extent that he wrote a book about him, and a chapter was devoted to him in the exhibition.

Several of his works were on display in the special exhibition, but after viewing them, I visited the permanent exhibition room for Shuzo Takiguchi's collection, where I was able to see other works by Shuzo Takiguchi, including Decalcomanie.