アートへの印象あるいは断簡　Nobu Art Blog 2025: 1月 2025

2025年1月25日土曜日

文永の役750年（國學院大学博物館）　Unveiling the Mongolian Invasions Through Illustrated Accounts (Kokugakuin University Museum)

モンゴル軍が日本に大規模に侵攻した文永の役から750年を記念する展覧会。

昨年行われたPart1は、水中考古学の成果に基づく展示だった。

今回のPart-2では、国宝『蒙古襲来絵詞』の写本などから、文永の役とその後世への影響を紹介するという内容だった。

2回に分けて、考古学と歴史学の観点から、元寇という歴史的な事件について考えることができた。

日本の歴史には様々なことが起こったが、この蒙古襲来という出来事は、その後の日本に歴史に実に大きな影響を与えた。

本居宣長は、日本の神々が神風を吹かせて日本を救った、とその歴史的な事件を解釈した。多くの人々が、その後、この宣長の解釈を受け入れた。

そしてその影響は、様々に形を変えて、様々な領域において、現代にまで及んでいる。

『蒙古襲来絵詞』の写本は数多く知られている。この展覧会では2点が展示され、オリジナルも含めてその微妙が差異が解説されていた。

Part-1の時にも展示されていた、海中から発見された元寇の際の遺物が、今回も展示されていた。

以前、鎌倉歴史文化交流館で行われた展覧会でも目にしたことがあったが、当時の戦いで使われた”てつはう”や鎧や弓矢などを目にすると、750年という時間の流れが一気に巻き戻されるように感じられた。

This exhibition commemorates 750 years since the Bun'ei War, a large-scale invasion of Japan by the Mongol army.

Part 1, held last year, was an exhibition based on the results of underwater archaeology.

Part 2 this time introduced the Bun'ei War and its influence on later generations through the use of a copy of the national treasure "Mongol Shurai Ekotoba" (Illustrated Story of the Mongol Invasion).

In two parts, we were able to think about the historical event of the Mongol invasion from the perspectives of archaeology and history.

Many things have happened in Japanese history, but this Mongol invasion had a truly huge impact on subsequent Japanese history.

Motoori Norinaga interpreted this historical event as the Japanese gods blowing a divine wind to save Japan. Many people have since accepted Norinaga's interpretation.

And its influence has been transformed into various forms and has continued to the present day in various fields.

Many copies of "Mongol Shurai Ekotoba" are known. Two copies were exhibited in this exhibition, and the subtle differences between them, including the original, were explained.

Relics from the Mongol invasions discovered underwater, which were also on display in Part 1, were on display again this time.

I had previously seen them at an exhibition held at the Kamakura History and Culture Exchange Center, and seeing the ironclads, armor, bows and arrows used in the battles of that time made me feel as if 750 years of time had been rewound in an instant.

仏教美学（日本民藝館）　Buddhist Aesthetics (The Japan Folk Crafts Museum)

民藝運動を立ち上げた柳宗悦は、若い頃は神学に興味を持っていた。

その後、民藝の活動をするようになったが、宗教は常に柳の心の中にあった。

様々な仏教関連の民藝を収集していく中で、その思想は『美の法門』という書物に結実した。

その『美の法門』や『法と美』などの柳の宗教関係の書物のための原稿や、本の中でその写真が紹介された民藝品などが展示されていた。

展覧会を訪れた人々は、そうした展示品を目の前にして、柳の思いを追体験することになる。

仏教美学という展覧会名だが、展示品の中には、磔のキリスト像やアラビア文字が書かれた陶磁器など、様々な宗教の民藝品があった。

巨大なキリスト教の教会や、仏教の寺院の中に恭しく飾られている、美しい彫刻や絵画ではなく、素朴な民藝品の中にこそ、本当の人々の宗教への思いが表れていると、柳は考えていたのだろう。

会場の一角では、柳の講演が映像とともに流れていた。

これまで柳の肉声は聞いた記憶がなかったが、意外に高い声で、ややせっかちな話し方のように聞こえた。録音の状態でそうなっていたのかもしれない。

Yanagi Muneyoshi, who launched the Mingei movement, was interested in theology in his youth.

Later, he became involved in Mingei activities, but religion was always in Yanagi's heart.

As he collected various Buddhism-related Mingei works, his ideas came to fruition in a book called "The Dharma Gate of Beauty".

Manuscripts for Yanagi's religious books such as "The Dharma Gate of Beauty" and "Dharma and Beauty" were on display, as well as Mingei works whose photographs were introduced in the books.

Visitors to the exhibition were able to relive Yanagi's thoughts as they saw the exhibits.

Although the exhibition was called Buddhist Aesthetics, the exhibits included Mingei works of various religions, such as a statue of Christ on the cross and ceramics with Arabic writing.

Yanagi probably believed that people's true feelings about religion were expressed in simple Mingei works, not in the beautiful sculptures and paintings that are reverently displayed in huge Christian churches and Buddhist temples.

In one corner of the venue, a video of Yanagi's lecture was playing.

I had never heard Yanagi's voice before, but he had a surprisingly high-pitched voice and sounded a little impatient when he spoke. Perhaps that was due to the recording.

2025年1月24日金曜日

須田悦弘（松濤美術館）　Suda Yoshihiro (The Shoto Museum of Art)

須田悦弘の作品を最初に目にしたのは、おそらくは、今はもうなくなってしまった原美術館だったろうか。

2階に上がってすぐの小さな暗い空間に、須田の作品である、赤い花が展示されていた。

初めは、生花かなと思っていたが、何回か通ううちに、それが須田悦弘の作品であることを知った。

その後も、現代美術を展示する美術館でたびたび須田の作品を目にしてきたが、いずれも、他のいかにも現代アートという自己主張の強い作品の中に、まるで一息をつくように、目立たない場所に隠れるように展示されていた。

この展覧会では、そうした時に見逃してしまいそうな須田の作品が、会場のあちこちに展示されていた。

須田は、自分よりもっと年上だと思っていたが、ほぼ同年代と知り、意外な感じがした。

また、よく飲んでいるお茶のパッケージの草花の絵の原画を、須田が描いていたことは新鮮な驚きだった。

I think the first time I saw Yoshihiro Suda's work was at the Hara Museum of Contemporary Art, which no longer exists.

In a small, dark space just inside the second floor, red flowers, one of Suda's works, were on display.

At first, I thought it was fresh flowers, but after visiting the museum several times, I realized it was Yoshihiro Suda's work.

After that, I often saw Suda's works at museums exhibiting contemporary art, but they were always displayed in inconspicuous places, as if to take a break from the other self-assertive works of contemporary art.

In this exhibition, Suda's works, which you might miss at such times, were displayed all over the venue.

I had thought Suda was much older than me, so I was surprised to find out that we are almost the same age.

It was also a fresh surprise to learn that Suda had drawn the original illustrations of the flowers on the packaging of a tea I often drink.

2025年1月12日日曜日

没後30年　木下佳通代（埼玉県立近代美術館）　A Retrospective - Kinoshita Kazuko (Museum of Modern Art, Saitama)

寡聞にも、木下佳通代のことは知らなかった。

昨年、木下の回顧展が大阪の中之島美術館で行われることを知った。

そのプロファイルを読んで興味が湧き、大阪を訪れようと思ったが、埼玉県立美術館に巡回すると知り、その巡回を待つことにした。

木下は1939年に神戸で生まれた。その後、京都市立美術大学で西洋画を学んだが、同時に哲学にも興味を持っていた。

当初は、パウル・クレーに影響された油絵を描いていたが、次第に抽象的で、前衛的な作品を描くようになったようだ。

風景写真と、その風景写真を撮る人物の写真を並べた作品。真円を斜めから描いて楕円に見せる絵画作品（？）など、人間の感覚を危うさを感じさせる作品が多い。

1980年代以降は、巨大なカンバスに色を塗ってそれを削ぎ落とす作品や、線のような文字のような造形を描く作品を描いた。

やがて、ガンが見つかるが、制作活動の妨げになることを恐れて、手術を拒んで制作を続けて、54歳で命を落とした。

木下の追い求めた表現のその先を、もっと見たかったと思うのは、私だけではないだろう。

I had never heard of Kinoshita Yoshiyo.

Last year, I learned that a retrospective of Kinoshita was to be held at the Nakanoshima Museum of Art in Osaka.

I was interested after reading her profile and thought about visiting Osaka, but when I found out that the exhibition would be touring to the Saitama Prefectural Museum of Art, I decided to wait for the tour.

Kinoshita was born in Kobe in 1939. She later studied Western painting at the Kyoto City University of Arts, but at the same time he was also interested in philosophy.

At first, she painted oil paintings influenced by Paul Klee, but gradually he began to paint abstract and avant-garde works.

A work that juxtaposes landscape photographs with photographs of people taking those landscape photographs. Many of her works, such as a painting (?) in which a perfect circle is painted at an angle to make it look like an ellipse, make us feel the danger of human senses.

Since the 1980s, she has painted huge canvases and then scraped them off, and created works that depict shapes that are like lines or letters.

She was eventually diagnosed with cancer, but fearing that it would interfere with his creative work, she refused surgery and continued to create, eventually passing away at the age of 54.

I'm sure I'm not the only one who would have liked to have seen more beyond the expression that Kinoshita pursued.

毛利悠子　ピュシスについて（アーティゾン美術館）　Mohri Yuko - On Physis (Artizon Museum)

今年、最初に訪れた展覧会は、アーティゾン美術館で行われた毛利悠子の展覧会だった。

毛利悠子の作品を初めて目にしたのは、ヨコハマトリエンナーレ2014だったろうか。

念密に設計されて制作された作品で、とても繊細な印象を受けたが、それでいて、学園祭の延長のような、身近な印象も感じて、とても記憶に残っている。

毛利悠子　アイ・オー　ある作曲家の部屋

その後も、グループ展などで時折、目にしてきた。

最近では、2023年に行われた坂本龍一トリビュート展で、ピアノをテーマにした作品が展示会場の中央に展示されて、印象的だった。

坂本龍一トリビュート展

実は、初めはこのアーティゾン美術館の展覧会は、スキップしようと思っていた。

しかし、ネット記事で目にした、本人のこの展覧会についてもインタビューを読んで、特に”ピュシス”というこの展覧会のテーマについて語っていた部分が気になり、足を運んでみようと思った。

美術館の5階のフロアいっぱいを使って、その展示が行われていた。

そこは、さながら、毛利による”ピュシス（自然あるいは本性）”を究明するための、実験室のようだった。

その実験のための素材には、パウル・クレー、マルセル・デュシャン、クロード・モネ、アンリ・マチス、ジョゼフ・コーネルなどの作品が、準備されていた。

古代ギリシャの哲学者たちの探求の対象は、ピュシスそのものであり、彼らは自然哲学者だった。その後、科学者たちによって自然の究明が進み、現在では哲学者たちの領域は限られたものになっている。

毛利の作品を見ていくと、ピュシスについてこれまでとは違ったやり方で、改めて解き明かしていこうとしている試みのように感じられた。

The first exhibition I visited this year was Yuko Mohri's exhibition at the Artizon Museum.

I think I first saw Yuko Mohri's work at the Yokohama Triennale 2014.

The works were meticulously designed and produced, and I was impressed by their delicate nature, but at the same time, they also had a familiar impression, like an extension of a school festival, and they are very memorable.

Since then, I have occasionally seen her works at group exhibitions.

Recently, at the Ryuichi Sakamoto Tribute Exhibition held in 2023, her piano-themed work was exhibited in the center of the exhibition hall, which was very impressive.

Actually, at first, I was planning to skip this exhibition at the Artizon Museum.

However, after reading an interview with her about this exhibition in an online article, I was particularly interested in the part where she talked about the theme of the exhibition, "Physis," and decided to go and see it.

The exhibition took up the entire fifth floor of the museum.

The place was like a laboratory for Mohri's investigation of "physis (nature or true nature)."

Materials prepared for the experiment included works by Paul Klee, Marcel Duchamp, Claude Monet, Henri Matisse, Joseph Cornell, and others.

The subject of the ancient Greek philosophers' investigation was physis itself, and they were natural philosophers. Later, scientists advanced the investigation of nature, and today the field of philosophers has become limited.

Looking at Mohri's work, it felt like an attempt to re-examine physis in a different way than before.

坂本龍一　音を視る時を聴く（東京都現代美術館）　Ryuichi Sakamoto | seeing sound, hearing time (Museum of Contemporary Art Tokyo)

坂本龍一の展覧会というよりは、坂本龍一とアーティストたちとのコラボレーション作品の展覧会といった方がいいだろう。

YMO時代からアカデミー賞の受賞・・・などの坂本龍一の回顧展のような内容を期待していた人々は、その内容に困惑するかもしれない。

アルバム『async』をテーマにした、高谷史郎、アピチャッポン・ウィーラセタクン、Zakkubalanらとの作品は、以前ワタリウムでの展覧会で目にしたことがあった。

ワタリウムはこぢんまりとした美術館なので、そのサイズ感はかなり違ったが。

また、東日本大震災で壊れたピアノから着想した”IS YOUR TIME”は、ICCでの展覧会で見た記憶がある。ICCでは、実際に”被災した”ピアノが使われたいたように記憶する。

中谷芙二子との”霧”を使ったコラボレーション作品は初めて”体感”した。1月の肌寒い外気の中で霧のミストを浴びると、坂本の美しい音楽のヘルプがあったとしても、笑ってしまうほどの寒さだった。

これまでに見たことがある作品が多かったせいか、新たな刺激を受けるというよりは、坂本が追い求めた表現とは何であったのかを、改めて考える機会となった。

”音を視る時を聴く”というこの展覧会のタイトルは、そのためのヒントをくれた。

作曲者の意思により作られた音楽と自然の音、映像やインスタレーションなどの作品と音楽との関係、そして同じ時間の中で異なった音楽と映像が流れるとはどんなことなのか・・・

坂本龍一という人物は、音楽家であることには間違いないが、同時にそうしたことを考え続けた思想家でもあり、何より、その思想を表現し続けた表現者でもあったのだろう。

Rather than an exhibition of Sakamoto Ryuichi, it would be better to say that this is an exhibition of collaborative works between Sakamoto Ryuichi and other artists.

Those who were expecting a retrospective of Sakamoto Ryuichi's work, from his YMO days to his Academy Award wins, may be confused by the contents.

I had previously seen his work with Takatani Shiro, Apichatpong Weerasethakul, Zakkubalan, and others, themed on the album "async," at an exhibition at the Watari-Um.

Watari-Um is a small museum, so the sense of size was quite different.

I also remember seeing "IS YOUR TIME," inspired by a piano broken in the Great East Japan Earthquake, at an exhibition at the ICC. I remember that the ICC used a piano that was actually "damaged."

This was my first "experience" of a collaborative work with Nakaya Fujiko using "fog." Being exposed to the mist in the chilly January air was so cold that it made me laugh, even with the help of Sakamoto's beautiful music.

Perhaps because I had already seen many of the works, rather than being inspired by something new, it was an opportunity to think anew about what kind of expression Sakamoto was pursuing.

The title of this exhibition, "Seeing Sound, Listening to Time," gave me a hint as to this.

What is the relationship between music created by the composer's will and the sounds of nature, and between music and works such as video and installations, and what does it mean for different music and video to be played in the same time...

There is no doubt that Ryuichi Sakamoto is a musician, but at the same time he is also a thinker who continues to think about such things, and above all, an artist who continues to express those ideas.