永劫回帰に横たわる虚無（GYRE GALLERY） The Emptiness of Eternal Recurrence (GYRE GALLERY)

三島由紀夫の生誕100年を記念して、国内外のアーティストによる、三島由紀夫へのオマージュと言える作品を展示。

入り口には、2つのスピーカーが置かれ、三島由紀夫の演説や、三島が好んだというワーグナーの音楽や、昭和歌謡、ジャズなどが変わるがわる流れてくる。

作曲家、池田謙によるサウンドスケープは、他の作品を見ていても、常に耳に入ってくる。

森万里子は、同時期に行われている国立新美術館の時代のプリズム展で作品を見ていたが、それとは全く違った、スピリチュアルな絵画作品が展示されていた。

『豊潤の海』の第1巻『春の海』に登場する、松枝清顕と綾倉聡子の二人の恋をテーマにしているという。

なぜか、アドルフ・シュタイナーの神智学を表しているようにも感じた。

ジェフ・ウォールの写真は、同じく『春の海』から、婚約者と松枝清顕の間で揺れる綾倉聡子の複雑な感情を表現している。

杉本博司は、若い頃に三島由紀夫と東大の学生たちとの討論を聞いて、衝撃を受けたという。

『豊潤の海』の最後に登場する、”記憶もなければなにもない庭”という表現と呼応する、今年の正月に撮影したという2展の”海景”が展示されていた。

中西夏之の作品も、その”なにもない庭”にインスパイアされた作品で、今回の展示作品の中でも最もインパクトがあった。

壁にかかっている2つのカンヴァスは、松枝清顕と綾倉聡子を象徴しているのだろうか？

”なにもない庭”にも、その2つの存在はゆらめいているが、その2つが交わることは永遠にない。ただ、お互いは、回り続けている。

アニッシュ・カプーアは、3つの絵画作品を展示。カプーアは、三島由紀夫の大ファンだという。

”VOID（空虚）”をテーマにしたそれらの作品は、”なにもない庭”と相通じるようにも感じられる。

金沢21世紀美術館に常設展示されている、永遠の空虚な闇を表現したような作品を思い出した。

作品にフォーカスした”三島由紀夫論”を書いた平野啓一郎。本人は、自らの解釈について、三島本人に問うてみたい、と言っているが、まるでその三島からの回答を表現したような作品が展示されていた。

三島由紀夫をテーマにしたというより、『豊饒の海』をテーマにしたこの展覧会を見てしまっては、どうにもその三島の遺作を読まずには、いられないような気分になってしまった。

To commemorate the 100th anniversary of Yukio Mishima's birth, this exhibition features works by Japanese and international artists that pay homage to the artist.

Two speakers are placed at the entrance, playing a rotating selection of Mishima's speeches, Wagner's music, which Mishima was said to have favored, Showa-era pop songs, and jazz.

Composer Ken Ikeda's soundscapes are constantly catching your ear, even while you're viewing other works.

I had seen Mariko Mori's work in the Prism of the Ages exhibition at the National Art Center, Tokyo, which was running at the same time, but this exhibition featured a completely different, spiritual painting.

The theme of the works is the love between Matsueda Kiyoaki and Ayakura Satoko, who appear in "Spring Sea," the first volume of "The Sea of ​​Abundance."

For some reason, I also felt that they represented Adolf Steiner's theosophy.

Jeff Wall's photograph, also from "Spring Sea," expresses Ayakura Satoko's complex emotions as she wavers between her fiancé and Matsueda Kiyoaki.

Hiroshi Sugimoto said that when he was young, he was deeply moved when he heard a debate between Mishima Yukio and students from the University of Tokyo.

The "Seascape" photographed this past New Year's was on display, echoing the expression "a garden without memory or anything" that appears at the end of "The Sea of ​​Abundance."

Natsuyuki Nakanishi's work, also inspired by this "empty garden," was the most impactful of the exhibit.

Do the two canvases hanging on the wall symbolize Matsueda Kiyoaki and Ayakura Satoko?

In "Empty Garden," the two existences flicker, but they will never intersect. They simply continue to circle each other.

Anish Kapoor exhibited three paintings. Kapoor is a huge fan of Mishima Yukio.

These works, themed around "void," seem to share a common thread with "Empty Garden."

They reminded me of a work on permanent display at the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, which seems to express eternal, empty darkness.

Hirano Keiichiro wrote "On Yukio Mishima," focusing on his works. Hirano himself has said that he would like to question Mishima himself about his own interpretations, and the works on display seemed to represent Mishima's responses.

After seeing this exhibition, which is themed not so much on Yukio Mishima as on The Sea of ​​Fertility, I felt compelled to read Mishima's final work.

日常のコレオ（東京都現代美術館） Choreographies of the Everyday (Museum of Contemporary Art Tokyo)

開館30周年を記念する、力に入った企画展。

コレオとは、コレオグラフィーのことで、本来は振り付けを意味する言葉だが、この展覧会では、コレオとは”抵抗の身振り”という意味と理解していいだろう。

ブラジル生まれのジョナタス・デ・アンドラーデは、写真と映像作品を展示。ブラジルの先住民族が、自らの民族の紋様やペインティングによって、その存在をアピールしている。

ムンバイを拠点とするCAMPは、ムンバイに設置されているCCTVの映像を使って、超高層ビルの建設が進む光景と、スラム街で暮らす人々を対比する。

権力の監視の手段になりがちなCCTVカメラが、抵抗の手段にも変えうる、ということを提示したかったようだ。

1904年生まれの新海覚雄は、ドイツのケーテ・コルヴィッツの影響を受けて、1950年代に描いた労働運動や社会運動の様子や、抵抗する人々の姿を描いた。

1976年生まれの佐々木健は、日本の学生運動などで使われるゲバ棒をリアルに描き、それが象徴する、抵抗における男性中心主義を炙り出している。

インドのシルパ・グプタの作品は、サウンド・スケープ・アート。

薄明かりの暗い室内に、抵抗の言葉が置かれ、それを歌うように唱えるサウンドが室内を満たす。

ずっとその空間で過ごしていたいような、そんな雰囲気の展示内容だった。

最も印象に残ったのは、インドネシアのジュリア・サリセティアティ＆アリ・"ジムゲッド"・センディによる展示。

インドネシアの独立からの歴史と、その中で教育が、以下に国家の都合のいい人間を生み出す制度して使われてきたかを、ポスターや映像によって伝えている。

果たして、日本の戦後の教育政策はどんなものだったのか。あるいは、近代以降の国家の教育政策とは、誰のためのものだったのか。

人々を、そうした連想に誘うような展示だった。

久しぶりに、批判と抵抗の精神に溢れた、こちらの背筋がピンと伸びるような、そんな内容の展覧会を見たように感じた。

This is an ambitious exhibition commemorating the museum's 30th anniversary.

Choreo is a term that originally means choreography, but in this exhibition, it can be understood as a gesture of resistance.

Brazilian-born Jonathas de Andrade exhibited photographs and video works, showcasing Brazil's indigenous peoples making their presence known through their ethnic patterns and paintings.

Mumbai-based CAMP used CCTV footage installed in Mumbai to contrast the sight of skyscraper construction progressing with the people living in slums.

It seems their aim was to show that CCTV cameras, which are often used as a means of surveillance by those in power, can also be used as a means of resistance.

Nakao Shinkai, born in 1904, was influenced by the German painter Käthe Kollwitz and painted labor and social movements in the 1950s, as well as images of people in resistance.

Ken Sasaki, born in 1976, realistically depicts the stabbing sticks used in Japanese student protests, highlighting the male-centrism of resistance that they symbolize.

Shilpa Gupta from India's work is soundscape art.

In a dimly lit room, words of resistance are placed, and the sound of them being chanted fills the air.

The exhibition's atmosphere made me want to stay there forever.

The most memorable exhibit was by Julia Salisetiati and Ali "Zimged" Sendi from Indonesia.

Through posters and videos, they conveyed Indonesia's history since independence and how education has been used as a system to produce people who are convenient for the state.

What exactly was Japan's postwar education policy like? And for whom have modern national education policies been aimed?

The exhibit invited visitors to consider such associations.

It felt like it had been a long time since I had seen an exhibition filled with a spirit of criticism and resistance, one that made me stand up straight.

時代のプリズム（国立新美術館） Prism of the Real (National Art Center, Tokyo)

国立新美術館と、香港の+Mによる共同開催の展覧会。

1989年から、2010年にかけて、”日本で生まれた”現代アートを紹介する展覧会。

50組を超えるアーティストたちの作品で構成されている。”日本で生まれた”ということで、海外のアーティストも多数含まれている。

1989年、日本では昭和天皇が亡くなり、昭和から平成に時代が変わった。

その年、ヨーロッパではベルリンの壁が崩壊し、それまでの世界の政治的な構造が大きく変わった年でもあった。その余波は、現代にも続いている。

2011年には、東日本大地震が日本を襲い、その後のアートシーンも大きな変化が見られた。その前年の2010年までが、この展覧会の範囲をなっている。

プロローグとして、1980年代に日本を訪れた海外の現代アーティストたちが紹介される。

ヨーゼフ・ボイス、ナムジュン・パイク、クリスト、アンセルム・キーファーなど。

彼らの前衛的なアート作品や、その振る舞いは、当時の日本のアート界に大きな影響を与えた。

村上隆、森村泰昌、大竹伸朗、柳幸典、奈良美智、宮島達男、ヤノベケンジ、会田誠、山城知佳子など、お馴染みのアーティストたちの作品が並ぶ。

ダムタイプは、pHやS/Nなどの映像作品が、小さなスペースで全編上映されていた。

束芋は、あまり好きなアーティストではなかったが、3面スクリーンを使った”公衆便女”は、珍しく最後まで見てしまった。

小沢剛は、この展覧会で最も存在感を発揮したアーティストだろう。

ベジタブル・ウェポン、なすび画廊といった作品と合わせて、同年生まれのアーティストたちとの昭和40年会や、中国と韓国のアーティストとの”西京人”などの展示は、とても見応えがあった。

一番印象に残ったのは、1995年にワタリウム美術館が主催した、青山周辺のアート作品を展示する”水の波紋”についての展示だった。

こうして1989年から2010年にかけてを振り返ってみると、この時代に日本の現代アートは次第に世間に認めらていったことがよくわかった。

この美術館はとても広いので、もう少し展示会場を広げても良かったのではいないか、と思ってしまった。

This exhibition is co-organized by the National Art Center, Tokyo and +M in Hong Kong.

This exhibition showcases contemporary art "born in Japan" from 1989 to 2010.

It features works by over 50 artists. The fact that their work "born in Japan" means that many international artists are included.

In 1989, Emperor Showa passed away in Japan, ushering in a new era: the Showa era was replaced by the Heisei era.

That same year, the Berlin Wall fell in Europe, dramatically changing the world's political structure. The repercussions of this transformation continue to this day.

In 2011, the Great East Japan Earthquake struck Japan, ushering in major changes in the art scene. This exhibition covers the period up to 2010, the year before.

As a prologue, a selection of international contemporary artists who visited Japan in the 1980s is introduced.

Artists include Joseph Beuys, Nam June Paik, Christo, and Anselm Kiefer.

Their avant-garde artwork and behavior had a profound impact on the Japanese art world at the time.

Works by familiar artists such as Takashi Murakami, Yasumasa Morimura, Shinro Ohtake, Yukinori Yanagi, Yoshitomo Nara, Tatsuo Miyajima, Kenji Yanobe, Makoto Aida, and Chikako Yamashiro were on display.

Dumb Type's video works, such as pH and S/N, were screened in their entirety in a small space.

I'm not particularly fond of Tabaimo, but I found myself watching her triple-screen "Public Toilet Girl" all the way through, which was a rare occurrence.

Ozawa Tsuyoshi was perhaps the artist with the most impact in this exhibition.

Along with works by Vegetable Weapon and Nasubi Gallery, other exhibits such as "1965 Year of Showa," featuring artists born in the same year, and "Xijing People," featuring artists from China and Korea, were also well worth seeing.

The exhibit that made the biggest impression on me was the "Ripples of Water" exhibition organized by the Watari Museum of Contemporary Art in 1995, which displayed artworks from the Aoyama area.

Looking back on the period from 1989 to 2010, it became clear that Japanese contemporary art was gradually gaining public recognition during this period.

The museum is very large, so I couldn't help but think that it would have been better if the exhibition space had been expanded a little more.

棟方志功展II 敬愛のしるし（日本民藝館） Shikō Munakata Exhibition II: A Sign of Reverence (Japan Folk Crafts Museum)

棟方志功の没後50年を期に3回シリーズで行われている、日本民藝館の展覧会。

2回目の今回は、”敬愛のしるし”と題して、棟方志功が慕っていた人々との関係から生まれら作品が展示された。

柳宗悦の言葉を版画作品に仕立てた、心偈頌。

当時、柳宗悦は病気で療養しており、棟方志功は、濱田庄司のすすめで作品を制作することになったという。

柳が自分の言葉を、棟方志功に制作のために送った手紙なども一緒に展示されていた。

河井寛次郎の味わいある言葉を、シンプルな版画と言葉で綴った、火の願い。

花を見ている、花も見ている。高きに灯ともる、人間の高さにともる。

河井寛次郎の言葉は、どうしてこんなに心に届いてくるのだろう。

鐘溪頌の朝菊の柵は、最も好きな棟方志功の版画作品の一つ。

女性の背中が、画面の右下から左上に流れるように描かれている様子は、≈棟方志功のイメージを覆す、本当にエロチックな作品。

関連展示として、棟方志功が所蔵していた、朝鮮時代の茶器や、濱田庄司の陶器なども展示されていた。

9月から行われる第3弾も、今から楽しみだ。

This exhibition at the Japan Folk Crafts Museum is a three-part series commemorating the 50th anniversary of Shikō Munakata's death.

The second installment, titled "A Sign of Reverence," showcases artworks created by Munakata based on his relationships with people he held in high regard.

Among the exhibits is "Shintai-shō," a woodblock print featuring words by Soetsu Yanagi.

At the time, Yanagi was recovering from an illness, and Munakata created this work at the suggestion of Shoji Hamada.

Also on display were letters from Yanagi to Munakata, containing the words he wanted Munakata to use for the print.

"Fire's Wish" is a simple woodblock print with words by Kanjiro Kawai.

"I am looking at the flowers, the flowers are also looking at me.  A ​​light shines from on high, a light that shines from the height of humanity."

Why do Kawai's words resonate so deeply within our hearts?

"Morning Chrysanthemum Fence" by Munakata is one of my favorite woodblock prints.

The way the woman's back is depicted, flowing from the lower right to the upper left of the image, is truly erotic—a work that defies the typical image of Munakata's art.

As part of the related exhibits, Korean tea bowls and pottery by Shoji Hamada, all from Munakata's personal collection, were also displayed.

I'm already looking forward to the third installment, which will take place in September.

ペドロ・コスタ インナーヴィジョンズ（東京都写真美術館） PEDRO COSTA - INNERVISIONS (TOP Museum)

 

ポルトガル出身の映画監督、ペドロ・コスタの東京では初となる個展。

ペドロ・コスタは、リスボンのスラム街で暮らす女性を主人公にした『ヴァンダの部屋』が2002年にカンヌ映画祭で上映されて大きな話題を呼んだ。

展覧会名の”インナーヴィジョンズ”は、1973年に発表されたスティービー・ワンダーのアルバムの名前。

ニクソン政権を揶揄した作品が含まれるなど、スティービー・ワンダーのアルバムの中でも最も政治色が強いと言われている。

ペドロ・コスタは、若い頃にこのアルバムを聴いて、勇気づけられたことから、今回の展覧会名に採用したようだ。

会場内は、真っ暗な暗闇に包まれている。おそらく、白い壁に囲まれた明るい空間の美術館ではなく、暗い部屋の中で作品を見る映画館の雰囲気を作りたかったのだろう。

旧ポルトガル領アフリカのカーボ・ヴェルデは、『ヴァンダの部屋』の主人公もこの島の出身であることなど、ペドロ・コスタに所縁の深い土地。

そのカーボ・ヴェルデで起こった火山の噴火の映像や、『溶岩の家』などの作品など、カーボ・ヴェルデをテーマにした展示が多かった。

正直、展示の内容は、やや期待はずれ。

布に映像を映すのは、よくあるパターンで、映像自体も、出し惜しみ感が滲み出ていた。

同時期に行われたゴダール展とよく似た構成だったが、明らかにゴダール展の方が良かった。

ペドロ・コスタは、日本の映画監督、諏訪敦彦と深い友情で結ばれ、それが縁で東京造形大学の客員教授になっている。

偶々、同じ会場で行われた二人の対談を聞く機会を得た。

コスタは自分の映画の制作の仕方について語っていたが、映画を作るのは普通の人々が行う地道な作業であり、スター中心主義や、”映画のマジック”などの考え方を強く批判、否定していたのが印象的だった。

ペドロ・コスタのセレクションで、名作映画の上映が行われており、ゴダールの『パート2』を見た。

どこの家庭にもありがちな内容を、俳優がドキュメンタリーなタッチで演じている。ホーム・ビデオを使った撮影も当時としては前衛的だった。

11月には、ペドロ・コスタの作品の上映もあるという。そちらも今から楽しみだ。

This is the first solo exhibition of Portuguese film director Pedro Costa in Tokyo.

Pedro Costa gained significant attention in 2002 when his film "In Vanda's Room," featuring a woman living in a Lisbon slum, was screened at the Cannes Film Festival.

The exhibition title, "Inner Visions," is taken from the name of a Stevie Wonder album released in 1973.

This album is considered one of Stevie Wonder's most politically charged, containing works that satirize the Nixon administration.

It seems that Pedro Costa chose this title because he was inspired by listening to this album during his youth.

The exhibition space is shrouded in complete darkness. He probably wanted to create the atmosphere of a movie theater, where you watch films in a dark room, rather than a bright, white-walled gallery space.

Cape Verde, a former Portuguese colony in Africa, is a place deeply connected to Pedro Costa, as the protagonist of "In Vanda's Room" is from that island.

Many of the exhibits focused on Cape Verde, including footage of volcanic eruptions and works such as "The House of Lava."

Honestly, the exhibition was somewhat disappointing.

Projecting images onto fabric is a common technique, and the images themselves seemed somewhat restrained.

It was very similar in structure to the Godard exhibition held at the same time, but the Godard exhibition was clearly better.

Pedro Costa has a close friendship with Japanese film director Atsushi Suwa, which led to his appointment as a visiting professor at Tokyo University of the Arts.

I happened to have the opportunity to listen to a talk between the two at the same venue.

Costa spoke about his filmmaking process, emphasizing that making films is a painstaking, everyday task for ordinary people. He strongly criticized and rejected the idea of ​​star-centric filmmaking and the notion of "the magic of cinema." 

As part of Pedro Costa's film selection, a number of classic films were being shown, and I watched Godard's "Part Two."

The film depicts everyday scenes from ordinary family life, with actors portraying the characters in a documentary-style approach. The use of home video footage was also quite avant-garde for its time.

I hear that there will be another screening of Pedro Costa's films in November. I'm really looking forward to that.