未来／追想 千葉市美術館と現代美術（千葉市美術館） Recorded Futures Relived: CCMA and Contemporary Art (Chiba City Museum of Art)

千葉市美術館と言えば、絵浮世に代表される豊富な江戸絵画のコレクションで知られる。

同時に、豊富な現代アートのコレクションでも知られ、最近でもNehol展や、目展、宮島達男展などを開催してきた。

開会30年を記念して、その豊富なコレクションの中から、180点にのぼる作品が展示された。

中でも印象的だったのは、1階のさや堂ホールでの展示だった。

千葉施術館の建物は、建築家大谷幸男によって設計された。

この地には、大正時代に建てられた旧川崎銀行千葉支店の建物が立っており、大谷はその建物を”さや堂方式”で残しながら、現在の建物を設計した。

その大正ロマンの雰囲気が色濃く残る建物の中に、斎藤義重や菅木志雄などの作品が展示されている様子は、圧巻だった。

通常の展示会場には、具体、実験工房、ハイレッド・センターなどの作家の作品や、桂ゆき、マルセル・デュシャン、荒川修作、工藤哲巳、草間彌生、イサム・ノグチ、河原温、杉本博司、辰野登恵子、などの作品が展示されていて、壮観だった。

The Chiba City Museum of Art is known for its extensive collection of Edo paintings, including ukiyo-e.

It is also known for its extensive collection of contemporary art, and has recently hosted exhibitions such as Nehol, Me, and Tatsuo Miyajima.

To commemorate its 30th anniversary, the museum exhibited 180 works from its extensive collection.

One of the most impressive exhibits was the one in the Sayado Hall on the first floor.

The Chiba Treatment Center building was designed by architect Otani Yukio.

The site is home to the former Kawasaki Bank Chiba Branch, which was built during the Taisho era. Otani designed the current building while retaining the original architecture in the "Sayado style."

The sight of works by artists such as Saito Yoshishige and Suga Kishio on display in a building that still retains a strong Taisho romantic atmosphere was truly impressive.

The regular exhibition hall was a spectacular sight, with works by artists such as Gutai, Jikken Kobo, and Hi Red Center, as well as Yuki Katsura, Marcel Duchamp, Shusaku Arakawa, Tetsumi Kudo, Yayoi Kusama, Isamu Noguchi, On Kawara, Hiroshi Sugimoto, and Toeko Tatsuno on display.

スティグ・リンドベリ展（日本橋高島屋） STIG LINDBERG (Nihonbashi Takashimaya)

日本橋高島屋では、北欧デザインの展覧会たびたび行われてきた。

アアルト展、北欧の灯り展やイス展などなど。

今回は、スウェーデンのスティグ・リンドベリに焦点を当てた展覧会。

アアルトやヤコブセン、同じスウェーデンのリサ・ラーソンなどに比べるとやや知名度は劣るかもしれないが、そのテーブルウェアは、誰もが一度は目にしたことがあるはずだ。

植物の葉や、木の実など、シンプルな造形が、色鮮やかに描かれた器やコップ。そうした食器で食事をすれば、それは楽しい食卓になるに違いない。

リンドベリは、大量生産でなく、一点ものの作品にこだわりがあった。

リンドベリ自身が筆を取って描いた、カラフルなファイアンスを見ると、画家としてのリンドベリの姿も見えてくる。

同様に、デザイン性にあふれたフィギュアや、テキスタイルなどもあり、リンドベリはデザイナーでもありアーティストでもあったことがわかる。

最後のコーナーでは、リンドベリは日本を訪れた際にインスピレーションを得て制作されたという作品も展示されていた。

Nihonbashi Takashimaya has frequently held exhibitions of Nordic design.

Exhibitions include Aalto, Nordic Light, and Chairs.

This time, the exhibition focuses on Swedish designer Stig Lindberg.

He may be less well-known than Aalto, Jacobsen, or fellow Swede Lisa Larson, but his tableware is surely familiar to everyone.

His bowls and cups are brightly painted with simple shapes like plant leaves and nuts. Dining on such tableware is sure to be a delightful experience.

Lindberg was particular about creating one-of-a-kind pieces rather than mass-produced items.

Looking at the colorful faience pieces painted by Lindberg himself, we can also see Lindberg as a painter.

Similarly, there are also stylish figurines and textiles, demonstrating that Lindberg was both a designer and an artist.

In the final section, Lindberg also exhibited works that he created inspired by his visit to Japan.

唐絵（根津美術館） Kara-e (Nezu Museum)

 

宋元、明時代の中国の水墨画と、その影響を受けた日本の室町時代の水墨画を展示した展覧会。

中国の水墨画では、牧谿や馬遠など、国宝や重要文化財を含んだ、数多くのこの美術館の名品が展示された。

観光客だろうか。多くの中国あるいは台湾の人々が、会場を訪れていたが、彼らはこうした水墨画をどのような視点で鑑賞しているのだろうか？

印象に残ったのは、日本の水墨画の方だった。

雪村の龍虎図屏風は、以前にもこの美術館で目にしたことがある。

右隻には龍が、左隻には虎が描かれている。

虎の巻き起こす激しい風が、虎の周囲の竹藪を激しく揺さぶっているのだが、その表現が、まるで時空が歪んでいるように描かれている。

つい最近見た、アインシュタインの一般相対性理論をテーマにしたテレビ番組のことを思い出してしまった。

良祐という絵師の仙女図。草で作った服を着て、薬草を入れた籠を抱えた、仙女を描いている。

同じ構図の絵画は他にもあるようだが、何となく、日本神話の木花咲耶姫のことを連想した。

This exhibition featured Chinese ink paintings from the Song, Yuan, and Ming dynasties, as well as Japanese ink paintings from the Muromachi period that were influenced by them.

The Chinese ink paintings on display included many of the museum's masterpieces, including works by Muxi and Ma Yuan, which are designated national treasures and important cultural properties.

Tourists? Many Chinese and Taiwanese people were visiting the exhibition. How do they view these ink paintings?

It was the Japanese ink paintings that made the biggest impression on me.

I'd seen Sesson's Dragon and Tiger folding screen at this museum before.

The right panel features a dragon, and the left a tiger.

The fierce winds stirred up by the tiger violently shake the bamboo grove around the tiger, depicted in a way that makes it seem as if space-time is distorted.

It reminded me of a TV program I recently saw on the subject of Einstein's general theory of relativity.

A painting of a fairy by an artist named Ryosuke. It depicts a fairy wearing clothes made of grass and holding a basket full of medicinal herbs.

There seem to be other paintings with the same composition, but somehow it reminded me of Konohanasakuyahime from Japanese mythology.

書斎を彩る名品たち - 文房四宝の美（永青文庫） The Beauty of the Four Treasures of the Study (Eisei Bunko Museum)

文房四宝のことを知ったのは、2019年に大阪の東洋青磁美術館で行われた特別展だった。

それ以来、文房四宝の魅力に、ずっと囚われたままでいる。

残念ながら、たびたび展覧会が行われるような、人気の高いテーマではない。

これまでは、東京国立博物館の東洋館の”中国文人の書斎”で、年に何度か展示替えが行われるのを楽しみにする程度だった。

この度、永青文庫で文房四宝をテーマにした展覧会が開催されるとあって、期待してかつての肥後細川藩邸があった目白台地を訪れた。

永青文庫の設立者である細川護立の文房コレクションは、筆、墨、硯、紙、どれをとっても素晴らしいもので、2019年以来と言える文房四宝に囲まれた豊かな時間を過ごすことができた。

文房四宝は、端的に言ってしまえば、権力者や金持ちの道楽、ということになるが、その背景には、中華文化の精神が横たわっている。

展示されていた文房具は、細川護立の手に渡るまでは多くの人の所有者があったが、犬養毅旧蔵という展示品が多かった。富岡鉄斎が細川護立に送った墨もあった。

文房四宝の魅力の一つには、そうした所有者のつながりがある。

清の乾隆帝は、多くの芸術品や工芸品を収集したが、自らも書をたしなみ詩を作る文化人でもあった。

乾隆帝時代の豪華な墨のセットや美しい紙などには、絶頂期の清帝国の姿が垣間見えた。

通常は、季刊誌に展覧会の展示品などが紹介されるが、この文房四宝展はそうしたことは予定がないとのことで、とても残念な気持ちで、文庫を後にした。

I first learned about the Four Treasures of the Study at a special exhibition held at the Museum of Oriental Celadon in Osaka in 2019.

Ever since, I've remained fascinated by them.

Unfortunately, they're not a popular theme with frequent exhibitions.

Until now, I'd only looked forward to the several annual changes in exhibits at the "Study of a Chinese Literary Person" in the Tokyo National Museum's Oriental Gallery.

Recently, I heard that the Eisei Bunko was holding an exhibition on the Four Treasures of the Study, so I eagerly visited the Mejiro Plateau, the former residence of the Higo Hosokawa clan.

The stationery collection of Hosokawa Moritatsu, the founder of Eisei Bunko, is magnificent in every respect: brushes, ink, inkstones, and paper. For the first time since 2019, I was able to spend a fulfilling time surrounded by these four treasures.

Simply put, the Four Treasures of the Study are a pastime for the powerful and wealthy, but behind them lies the spirit of Chinese culture.

The stationery on display had been in the hands of many different people before coming into the hands of Hosokawa Moritatsu, but many of the pieces were formerly owned by Inukai Tsuyoshi. There was also ink sent to Hosokawa Moritatsu by Tomioka Tessai.

One of the charms of the Four Treasures of the Study lies in the connections between their owners.

Emperor Qianlong of the Qing Dynasty collected many works of art and crafts, but he was also a cultured man who practiced calligraphy and composed poetry.

The luxurious ink sets and beautiful paper of the Qianlong era offered a glimpse into the Qing Empire at its height.

Usually, exhibition exhibits are introduced in a quarterly magazine, but there were apparently no such plans for this exhibition, so I left the collection feeling very disappointed.

彼女たちのアボリジナルアート（アーティゾン美術館） ECHOES UNVEILED (Artison Museum)

アボリジナルアートは、昔から好きなアートだった。

これまでは、いかにもアボリジナルアートという感じの、素朴なアウトサイダーアートのような作品を目にすることが多かった。

現代アートにおいて、アボリジナルアートがどのように現れているのか、とても楽しみに会場を訪れた。

最初にあったノンギルンガ・マラウィリの作品は、ユーカリの樹皮を使った、典型的なアボリジナルアートらしい作品。

1957年生まれのジュディ・ワトソンは、イギリス植民地時代の公式文書の上に、先住民たちの血を表す赤いインクが塗られ、いかに彼らが迫害されたかを告発する。

1996年に亡くなったエミリー・カーマ・イングワリィは、2008年に行われた展覧会でも作品を見ている。色鮮やかな作品がとても印象的。

当初は、ドットを使って表現をしていたが、体力が続かなくなり、線を使った表現に変わったという。その自由さがとてもいい。

1973年生まれのイワニ・スケースは、オーストラリアで行われた核実験に抗議する作品。しかし、蛍光色のライトを使った作品も、爆弾の形にガラスを加工した作品も、実に美しい。

これまでのアボリジナルアートとは全く違った作品で、とても新鮮だった。

また、核実験というテーマは、日本人にとっても、とても身近に感じられる。

1965年生まれのジュリー・ゴフは、アボリジナルの歴史や文化をテーマにしたオブジェ作品。こちらもまさしく現代アートだ。

映像作品では、現在の何気ない田舎の様子が映し出されるが、そこでは先住民族がイギリス人によって迫害されていたことが、ナレーションで語られる。

1961年のマリィ・クラークの作品は、地図を表す毛皮の作品と、植物の顕微鏡写真を使った作品。

アボリジナルの人々にとって、植物は、食べ物でもあり、そこから衣服を作り、家を作る。

その茎や葉の葉脈などの顕微鏡写真を、パステル調のパネルに仕立てて展示された様子は、実にスタイリッシュで、実に美しい。最も印象に残った作品だった。

1924年ごろ生まれのマーディディンキンガーティー・ジュワンダ・サリー・ガボリは、なんと80歳になってから、絵を描き始め、2015年に亡くなるまでに、2000点に及ぶ作品を制作した。

その巨大なキャンバスに表現された、バイタリティに溢れた作品にに、ただただ圧倒されて、敬服。

伝統的な趣の作品から、オブジェを使った現代的な作品まで、多彩なアボリジナルアートを楽しむことができた。

I've always loved Aboriginal art.

Until now, I'd often seen works that looked like simple, outsider art, which gave off a very Aboriginal vibe.

I visited the exhibition excited to see how Aboriginal art would appear in the contemporary art scene.

The first piece, by Nongilunga Marawili, was a typical Aboriginal piece made from eucalyptus bark.

Judy Watson, born in 1957, smeared red ink, representing the blood of Indigenous people, over official documents from the British colonial era, exposing the persecution they endured.

Emily Khama Ingwary, who passed away in 1996, also exhibited her work in an exhibition in 2008. Her vibrantly colored works were very striking.

She initially used dots to create her works, but as she ran out of energy, she switched to using lines. The freedom of this technique is very appealing.

Iwani Skase, born in 1973, created works protesting the nuclear testing conducted in Australia. However, both his works using fluorescent lights and his work shaped like a bomb are truly beautiful.

These works were completely different from previous Aboriginal art and very refreshing.

The theme of nuclear testing also feels very familiar to Japanese people.

Julie Gough, born in 1965, created an object work themed on Aboriginal history and culture. This, too, is a true example of contemporary art.

Her video work shows ordinary rural scenes of the present day, with a narrator describing the persecution of Indigenous people by the British.

Marie Clark's work, from 1961, features fur pieces representing maps and works using microscopic photographs of plants.

For Aboriginal people, plants are not only food, but also the source of clothing and shelter.

The way the microscopic photographs of the stems and leaf veins were displayed on pastel-colored panels was both stylish and beautiful. It was the most memorable piece.

Mardi Dingkingarty Juwanda Sally Gabori, born around 1924, didn't start painting until she was 80 years old, and produced around 2,000 works by the time she passed away in 2015.

I was simply overwhelmed and in awe of the vitality of the works expressed on those huge canvases.

I was able to enjoy a wide variety of Aboriginal art, from traditional pieces to modern pieces using objects.

住吉具慶 洛中洛外図巻（東京国立博物館） Sumiyoshi Gukei - Scenes in and around Kyoto (Tokyo National Museum)

住吉具慶のことは、具慶が描いた源氏物語絵巻か図鑑で初めて知った。

伝統的な引き目鉤鼻ではなく、ふくよかな丸顔で、目もパッチリと描かれたその画風がとても印象的だった。

今風に言えば、”かわいい”源氏物語と言ったところだろうか。

それ以降、住吉派の展覧会や日本画の展覧会で、たびたび具慶の作品を目にしてきた。

今回、東京国立博物館で、住吉具慶の作品が何点か展示されるということで、楽しみに足を運んだ。

寛永寺展の一環として、元三大師縁起絵巻、慈眼大師縁起絵巻。そしてコレクション展に洛中洛外図巻が展示された。

住吉具慶は、父如慶の嫡男として生まれ、その如慶が完成させることなく亡くなった東照宮縁起絵巻を完成させて、徳川家綱から評価された。

その後も、元三大師縁起絵巻など幕府に関わる仕事を経て、ついに徳川家綱から、狩野派に独占されていた、御用絵師に認められた。

元三大師縁起絵巻、慈眼大師縁起絵巻などは、偉人の生涯を描くという堅いテーマであるため、具慶の良さはあまり出ていない。

この洛中洛外図巻では、京都の町を舞台に、様々な人々が描かれていて、より具慶の魅力が表れている。

宮中では、古今伝授が行われている。柿本人麻呂の肖像が掛けられているので、それがわかる。

古今伝授は、それまでは宗祗や細川幽斎など、様々な人々の間で続けらてきたが、後水尾天皇からは、御所伝授とされて、宮中のみで行われるようになった。

具慶と後水尾天皇は、同じ時代を生きている。この場面は、後水尾天皇からの御所伝授をイメージして描いたのかもしれない。

その後、図巻きは京都の町中に場面が移る。様々な職人や商人の様子が描かれる。本屋、弓道具屋、古美術商、仏師、染物屋・・・

また、町内で獅子前が演じられて、その周りで大人も子供も、それを喜んで眺めている。

農村に場面が移ると、家の様子は町中とは違って鄙びているが、そこに暮らす人々の様子は、皆生き生きしている。

米をついたり、子供が犬と遊んだり、井戸端会議をしたり、編み物をしたり・・・

勿論、この絵の注文主は、政治が良いから世の中も平和なのだ、というメッセージをこの絵に込めるように依頼したのだろう。

実際の当時の暮らしは、決して楽しいことばかりではなかったはずだ。

しかし、ここの描かれている生活が、全くの理想世界とまでは言えないだろう。

当時の人々は、長い戦国時代が終わり、平和な時代をそれなりに謳歌していたと思われ、人々は自分の暮らしの中で楽しみを見出していたに違いない。

絵巻物には、源氏物語絵巻、鳥獣戯画、春日権現験記、一遍聖絵など数多くの名品があるが、もし、どれか一つを手に入れられるとしたら、この住吉具慶の洛中洛外図巻を選んでしまうかもしれない。

I first learned of Sumiyoshi Gukei from his Tale of Genji picture scrolls or illustrated books.

I was particularly impressed by his style, which depicted plump, round faces and wide eyes rather than the traditional slanted eyes and hooked noses.

In modern terms, it's a "cute" version of the Tale of Genji.

Since then, I've frequently seen Gukei's works at exhibitions of the Sumiyoshi school and Japanese paintings.

I was excited to visit the Tokyo National Museum, where several of Sumiyoshi Gukei's works were on display.

As part of the Kan'ei-ji Temple exhibition, the Gensan Daishi Engi Emaki Scroll and the Jigen Daishi Engi Emaki Scroll were on display. The Collection Exhibition also featured the Rakuchu Rakugai Zukan Scroll.

Sumiyoshi Gukei was born as the eldest son of his father, Nyokei, and completed the Toshogu Engi Emaki Scroll, which Nyokei died without completing, earning him the praise of Tokugawa Ietsuna.

After continuing to work on projects related to the shogunate, such as the Genzandaishi Engi Emaki, he was finally recognized by Tokugawa Ietsuna as a court painter, a position previously monopolized by the Kano school.

Works such as the Genzandaishi Engi Emaki and the Jigen Daishi Engi Emaki have rigid themes depicting the lives of great men, so they do not really show off Gukei's talents.

This Rakuchu Rakugai Zukan depicts a variety of people set in the streets of Kyoto, further showcasing Gukei's charm.

The Kokin Denju ceremony was held at the Imperial Court, as evidenced by the portrait of Kakinomoto no Hitomaro hanging on the wall.

Until then, the Kokin Denju ceremony had been carried out by various people, including Sōgi and Hosokawa Yūsai, but with Emperor Gomizunoo, it was designated as Gosho Denju and was only held at the Imperial Court.

Gukei and Emperor Gomizunoo lived in the same era. This scene may have been painted with the image of Gosho Denju from Emperor Gomizunoo in mind.

The scroll then shifts to the streets of Kyoto. Various artisans and merchants are depicted, including a bookstore, a kyudo (archery equipment) shop, an antiques dealer, a Buddhist sculptor, and a dyer.

A lion dance is also performed in the town, with adults and children alike watching with delight.

The scene shifts to a rural area, where the houses look rustic compared to the city, but the people who live there are all full of life.

People are pounding rice, children are playing with dogs, people are chatting, people are knitting...

Of course, the client of this painting likely intended to convey the message that the world is peaceful because of good politics.

Life at that time was probably not all fun and games.

However, the life depicted here cannot be described as a completely ideal world.

The long Warring States period had ended, and people at that time were likely enjoying a peaceful era, and they must have found enjoyment in their daily lives.

There are many masterpieces of picture scrolls, such as the Tale of Genji, Choju Giga, Kasuga Gongen Genki, and Ippen Hijiri e, but if I could only own one, I might choose Sumiyoshi Gukei's Rakuchu Rakugai Zukan.

新しい南画の世界（ミュゼ浜口陽三） The New World of NANGA (Musee Hamaguchi Yozo)

ミュゼ浜口陽三を訪れたのは、本当に久しぶりだった。

浜口陽三は和歌山県生まれだが、紀州藩には南画の祖の一人、祇園南海がいる。

浜口陽三の父親はその伝統の南画を学んでおり、数代前には紀州藩の南画家の弟子だった人物もいるという。

そうしたことがあってか、ある評論家は、浜口陽三の作品は、南画の構造を見てとれると言った。

現在では、南画はすっかり廃れてしまったのかもしれないが、その系譜を思わせる現代の作家の作品を集めて、浜口陽三の作品と並べて展示した。

吉増剛造と南画は、すぐには結びつかないが、この展覧会の企画者は、吉増剛造は文人の系譜上にいると考えているようだ。

染谷悠子は、パステル調の水彩画で、その風景画は確かに南画の伝統を感じさせる。

重野克明は、メモやスケッチなどを組み合わせて、一つの作品を作り上げている。その自由な発想が、文人を連想させるのだろうか。

後藤理絵は、明らかに吉増剛造と石川九楊の影響を受けているようだ。

京都出身の西久松綾は、神社と動物を組み合わせた、ユニークな日本画がとても印象的だった。

先に、廃れていると書いてしまったが、こうして見ていくと、やや緩いつながりながら、まだ南画の系譜は続いているようだ。

南画というのは、絵画の技法ではなく、それを描かせたいと思わせるこの世のありようのことなのかもしれない。

It's been a long time since I last visited Musee Hamaguchi Yozo.

Hamaguchi Yozo was born in Wakayama Prefecture, and the Kishu domain was home to Gion Nankai, one of the founders of Nanga painting.

Hamaguchi Yozo's father studied this tradition, and several generations ago, someone was a disciple of a Nanga painter from the Kishu domain.

Perhaps because of this, one critic said that Hamaguchi Yozo's work reveals the structure of Nanga painting.

Nanga painting may be completely out of fashion these days, but this exhibition has brought together works by contemporary artists who evoke its lineage and exhibited them alongside Hamaguchi Yozo's.

Yoshimasu Gozo and Nanga painting are not immediately associated, but the exhibition's organizers seem to believe that he is part of a lineage of literati.

Someya Yuko's pastel watercolor landscapes certainly evoke the tradition of Nanga painting.

Shigeno Katsuaki combines notes, sketches, and other elements to create his works. Perhaps it is this free-spirited thinking that reminds us of literati?

Goto Rie seems clearly influenced by Yoshimasu Gozo and Ishikawa Kyuyo.

Kyoto-born Nishihisamatsu Aya's unique Japanese paintings, combining shrines and animals, were very impressive.

I wrote earlier that Nanga has fallen out of fashion, but looking at it this way, it seems that the lineage of Nanga painting is still continuing, albeit somewhat loosely.

Perhaps Southern painting is not a painting technique, but rather the state of the world that makes one want to paint it.