あいち2025 - その3（愛知芸術文化センター） Aichi Triennale 2025 : Part-3 (Aichi Arts Center)

 

次の部屋は、巨大なスペースがそのまま使われていて、開放感を感じた。

伝統的なアートの世界から、現代アートの世界に、一気に会場の雰囲気が変わった。

大小島真木の大きな絵が、まずは目に飛び込んで来る。

植物や、魚や鳥、狼や馬など、様々な生き物が描かれている。人間のような生き物には、鹿のような角が生えている。

In the next room, the huge space was used as is, creating a sense of openness.

The atmosphere of the venue changed in an instant from the world of traditional art to the world of contemporary art.

The first thing that catches your eye is a large painting by Okojima Maki.

It depicts a variety of creatures, including plants, fish, birds, wolves, and horses. The human-like creatures have deer-like antlers.

その絵の前には、鈴木大拙、宮沢賢治、坂口安吾などの書物から、農業に関する言葉が抜粋されて、オブジェに仕立てられている。

それらの言葉は、巨大な絵のテーマの絵解きになっているのだろうか。

絵画、オブジェ、そして本からの引用で、作品は鑑賞者に迫ってくる。

安易に映像を使わなくても、面白い作品はまだまだ作れるぞ、と感じさせる。

In front of the painting, quotes about agriculture from books by Daisetsu Suzuki, Kenji Miyazawa, Ango Sakaguchi, and others have been made into objects.

Perhaps these quotes serve as pictorial explanations for the theme of the huge painting.

The paintings, objects, and quotations from books draw the viewer closer.

It makes you feel that interesting works can still be created without resorting to the easy method of using video.

オーストラリアのインジバルンディ・カントリーの長老であり、言語学者でもあるというウェンディー・ヒュバート。

アボリジナルアートというと、単純な丸や線など使って土地などを抽象的に描く作品が多いが、ヒュバートの作品は、具象的な表現が多く、明らかにある特定の場所の風景を描いているということがわかる。

それでも、土地をテーマに描いているという部分には、共通するものを感じる。

自分が暮らし、よく知り、また愛している場所を様々に描くということは、アートの根源的なテーマのように感じれらた。

Wendy Hubert is an elder from Australia's Yndjibarndi Country and a linguist.

When it comes to Aboriginal art, many pieces use simple circles and lines to abstractly depict land and other things, but Hubert's works tend to be more concrete, and it's clear that she depicts the landscape of a specific place.

Still, there seems to be a common thread in the fact that they both depict the land as their theme.

Depicting various aspects of the places I live, know, and love feels like a fundamental theme in art.

アブダビで生まれたアフラ・アル・ダヘリは、今回の”あいち2025”の中でも、とりわけ強い印象が残ったアーティストだった。

天井から垂れ下がった布のロープをくぐることで、その中の空間に入るという行為。その行為自体が、作品の一部になっている。

Abu Dhabi-born Afrah Al Dhaheri was one of the artists who left a particularly strong impression among the artists at Aichi 2025.

The act of passing through a cloth rope hanging from the ceiling to enter the space within is itself part of the work.

アフラ・アル・ダヘリの他の2つの作品は、全くその意味がわからないのだが、繊細さと大胆さが印象的で、圧倒的な存在感があった。

後で知ったが、ダヘリは美容師の仕事をしながらアートを学んでおり、この3つの作品はいずれも”髪の毛”に関係しているという。

The meaning of Afra Al Dhaheri's other two works was completely incomprehensible, but they were impressive in their delicacy and boldness, and had an overwhelming presence.

I later learned that Daheli studied art while working as a hairdresser, and that all three of her works are related to hair.

あいち2025 - その2（愛知芸術文化センター） Aichi Triennale 2025 : Part-2 (Aichi Arts Center)

愛知芸術文化センター、10階の最初の部屋に入ると、入り口の華やかな雰囲気はなくなり、見慣れた”展覧会”の雰囲気。

この部屋では、杉本博司の写真作品と、太田三郎、水谷清、宮本三郎の絵画作品が展示されていた。

杉本博司の写真に写っている動物は、生きている動物ではなく、博物館にある複製。

いわゆる”ジオラマ”シリーズの作品だが、知らないと、本当のジャングルの様子を撮影したのでは？と思ってしまう。

Upon entering the first room on the 10th floor of the Aichi Arts Center, the glamorous atmosphere of the entrance is gone, replaced by the familiar atmosphere of an exhibition.

This room exhibited photographs by Sugimoto Hiroshi, as well as paintings by Ota Saburo, Mizutani Kiyoshi, and Miyamoto Saburo.

The animals in Sugimoto Hiroshi's photographs are not live animals, but replicas kept at the museum.

This is a work from the so-called "diorama" series, but if you don't know about it, you might think it was a photo of a real jungle.

 

3人の画家の作品は、いずれも、名古屋の東山動物園の猛獣画廊の壁画用として、1948年に描かれた。

太平洋戦争によって、東山動物園の動物たちは、脱走を恐れて殺されたり、餓死などによって多くが死んでしまった。

訪れる人々に、せめて絵で動物たちを見てほしいという思いと、早く動物たちが戻ってきて欲しい、という2つの思いが、絵の制作の背景にはあったようだ。

しかし、動物たちの視点で見れば、人間たちの単なる身勝手ということになる。

動物園という存在のあり方や、人間は動物たちとどのように付き合っていけばいいのか、などを考えさせられる。

動物などの生き物と人間の関係。これも今回のトリエンナーレのテーマの一つであったようだ。

All three artists' works were painted in 1948 as murals for the Wild Animals Gallery at Higashiyama Zoo in Nagoya.

During the Pacific War, many of the animals at Higashiyama Zoo were killed for fear of escaping, or died of starvation.

The artists' creations were apparently motivated by two thoughts: a desire for visitors to at least be able to see the animals in paintings, and a desire for the animals to return soon.

However, from the animals' perspective, this is simply human selfishness.

The works make you think about the nature of zoos and how humans should interact with animals.

The relationship between humans and animals and other living things seems to have been one of the themes of this triennale.

あいち2025 - その1（愛知芸術文化センター） Aichi Triennale 2025 : Part-1 (Aichi Arts Center)

2010年から行われている愛知トリエンナーレ。今回で、6回目となるが、初めての参加となった。

今回、訪れてみようと思ったのは、キュレーターが、シャルジャ美術財団理事長のフール・アル・カシミであり、中東地域から多くのアーティストが参加していることを知ったからだった。

会場は、愛知芸術文化センターと愛知県陶磁美術館、そして瀬戸市のまちなか、の3ヶ所。

前回に比べると、コンパクトにまとめられていたので、2日間をかけて、ほぼ全ての会場を訪れることができた。

フール・アル・カシミによって提示されたテーマは、”灰と薔薇のあいまに”。

現代アラビアの詩人、アドニスの詩の一節が使われている。

第3次中東戦争で荒廃したアラブ世界を象徴するその一節は、明らかに現在のパレスチナやウクライナの状況をも表している。

まずは、愛知芸術文化センターから見ていこう。

The Aichi Triennale has been held since 2010. This year marks its sixth edition, but this was my first time participating.

I decided to visit this time because I learned that the curator was Hoor Al Qasimi, chairman of the Sharjah Art Foundation, and that many artists from the Middle East were participating.

The venues were the Aichi Arts Center, the Aichi Prefectural Ceramic Museum, and downtown Seto City.

Compared to the previous edition, it was more compact, so I was able to visit almost all of the venues over the course of two days.

The theme presented by Hoor Al Qasimi was "Between Ashes and Roses."

It uses a line from a poem by the contemporary Arabic poet Adonis.

This passage, which symbolizes the Arab world devastated by the Six-Day War, clearly also describes the current situation in Palestine and Ukraine.

Let's start with the Aichi Arts Center.

地下鉄、東山駅を降りて、オアシス21の人混みを通り抜けて、愛知芸術文化センターへ。

地下の入り口から建物に入ると、巨大な久保寛子の作品が、否応にも目に入ってきた。

全体の基調は、仏画のような印象だ。自然の神を表すようなメスライオン（？）の顔、核爆弾の雲、災害時に使われるテント、赤ん坊を抱く母親、津波に流される家や車、行進する牛などの動物たち・・・。

実に壮大で多様なイメージが、チープなビニールのカーペットなどを使ってまとめられている。

作品の内容を解読できないまま、エレベーターで、入り口のある10階に上がった。

後で知ったことだが、この作品のテーマは、”戦争と災害”とのこと。

訪れたのは、開催後2週間ほどたったころ。土曜日ということもあってか、チケット売り場には長い行列ができていた。

このトリエンナーレが、名古屋の地にすっかり定着していることが、その光景からうかがえた。

I got off the subway at Higashiyama Station and made my way through the crowds at Oasis 21 to the Aichi Arts Center.

As I entered the building through the underground entrance, I couldn't help but notice a huge work by Hiroko Kubo.

The overall theme of the work is reminiscent of Buddhist painting. It features the face of a lioness (?) that seems to represent a nature deity, a nuclear bomb cloud, a tent used in disaster situations, a mother holding a baby, houses and cars being swept away by a tsunami, and animals like marching cows...

These truly grand and diverse images are brought together using materials like cheap vinyl carpeting.

Unable to decipher the content of the work, I took the elevator to the 10th floor, where the entrance was.

I later learned that the theme of this work is "war and disaster."

I visited about two weeks after the event. Perhaps because it was a Saturday, there was a long line at the ticket counter.

The scene made it clear that this triennale had firmly established itself in Nagoya.

会場に入ると、そこは、色鮮やかな海の底の景色が広がっていた。

インドネシア生まれのムルヤナは、バンドンの工場の余り物の毛糸を使って、クラゲや珊瑚、波にゆらめく海藻などを再現した。

よく見られる、硬質なオブジェ作品と違い、毛糸を使った作品には、柔らかさ、あるいは優しさのような雰囲気を感じる。

ムルヤナは、故郷の海がプラスチックなどに汚染されている現状を悲しんで、美しい海を取り戻したくて、この作品を製作したという。

手作り感覚も強く感じる。こうした”手作り”感は、今回のトリエンナーレの大きなテーマの一つであると感じられた。

Entering the venue, a vibrantly colored seabed scene unfolded before us.

Indonesia-born Mulyana used leftover yarn from a factory in Bandung to recreate jellyfish, coral, seaweed swaying in the waves, and more.

Unlike the typical hard objects seen in his works, his yarn creations exude a softness and gentleness.

Mulyana said he created this work because he was saddened by the current state of the ocean in his hometown, which is polluted with plastic and other things, and wanted to restore the ocean to its beauty.

There's also a strong sense of handmade quality. This "handmade" feel seemed to be one of the major themes of this year's Triennale.

ウィーン・スタイル ビーダーマイヤーと世紀末（パナソニック汐留美術館） Viennese Style: Biedermeier through Fin de Siècle (Panasonic Shiodome Museum of Art)

 

ビーダー・メイヤーの時代から、ウィーン工房の時代まで、ウィーンのデザインを辿る展覧会。

オットー・ワーグナーやヨーゼフ・ホフマン、アドルフ・ロースらのことはよく知っていたが、ダゴベルト・ペッヒェのことはこの展覧会で知った。

ホフマンに誘われてウィーン工房に参加して、チューリッヒの支店を任されたという。

そのデザインは、草花をテーマにしたものが多く、1910年以降はそのペッヒェに影響を受けたデザイン作品が、多く作られたという。

マーラーがその作品を元に歌曲を作った、『子供の不思議な角笛』の美しい本が展示されていた。

しばし眺めていると、マーラーの音楽が自然と流れているように感じられた。

ウィーン工房で活躍した女性デザイナーのコーナーで、以前の展覧会で目にした、上野リチの美しい七宝の飾箱にも再会することができた。

This exhibition traces Viennese design from the era of Bieder-Meier to that of the Wiener Werkstätte.

I was well aware of Otto Wagner, Josef Hoffmann, and Adolf Loos, but it was at this exhibition that I learned about Dagobert Pöche.

Apparently, he was invited by Hoffmann to join the Wiener Werkstätte and was put in charge of the Zurich branch.

Many of his designs were based on flowers and plants, and from 1910 onwards, many designs were created that were influenced by Pöche.

A beautiful copy of "The Children's Wonder Horn," based on the work by Mahler, was on display, and as soon as I saw it, the song started playing in my head.

In the section dedicated to female designers active at the Wiener Werkstätte, I was able to rediscover a beautiful cloisonné display box by Ueno Richie, which I had seen at a previous exhibition.

円山応挙 革新者から巨匠へ（三井記念美術館） Maruyama Okyo: From Innovator to Great Master (Mitsui Memorial Museum)

訪れた主な目的は、香川の金刀比羅宮の襖絵だった。

以前、金刀比羅宮を訪れた時に、見た記憶があるが、久しぶりの再会となった。

虎の剥製などを写生して、虎の生態を研究していた円山応挙だが、やはり実物を見ていないせいだろうか、その虎の姿は、少し太り気味で、猫をそのまま大きくして描いたような、そんな印象が拭えない。

三井家は、円山応挙のパトロンだった。三井家の人々を身近で描いた”夕涼み図”などの作品も展示されていた。

『奇想の系譜』の作者、辻 惟雄は、自分の本によって、”王道”である円山応挙よりも伊藤若冲や曾我蕭白が有名になってしまったことに、やや複雑な心境を抱いていたという。

その伊藤若冲と円山応挙が”共作した”竹鶏図屏風（若冲）と梅鯉図屏風（応挙）は、それぞれの得意な画題が描かれていて、とても見応えがあった。

”青楓瀑布図”は、サントリー美術館で見たことがあったが、小さな部屋で照明を駆使した展示方法は、この絵の魅力を十二分に引き出していた。

My main reason for visiting was to see the sliding screen paintings at Kotohira Shrine in Kagawa.

I remember seeing them on a previous visit to Kotohira Shrine, so it was a long time since I last saw them.

Maruyama Okyo studied tiger behavior by sketching stuffed tigers, but perhaps because he had never seen the real thing, the tiger in this painting appears a little overweight, giving the impression that it was a blown-up version of a cat.

The Mitsui family was Maruyama Okyo's patron. Works on display included "Enjoying the CoolEvening," which depicts the Mitsui family members in an up-close setting.

Tsuji Tsuneo, author of "The Genealogy of Eccentric Ideas," apparently had mixed feelings about the fact that his book had made Ito Jakuchu and Soga Shohaku more famous than the "mainstream" Maruyama Okyo.

The Bamboo and Chicken Screen (Jakuchu) and Plum Blossom and Carp Screen (Okyo), which were "collaborative works" by Ito Jakuchu and Maruyama Okyo, feature subjects that each artist is particularly fond of, and were truly worth seeing.

I had seen "Green Maple Waterfall" at the Suntory Museum of Art, and the way it was displayed in a small room, making full use of lighting, really brought out the painting's charm.

西園寺公望の思想と立命館展（丸善・丸の内本店 4階ギャラリー） Philosophy and Idea of Kinmochi Saionji (Maruzen Gallery)

 

”最後の元老”と言われた、西園寺公望についての展覧会。

西園寺公望は、公家の一つ、徳大寺家に生まれ、2歳の時に西園寺家の養子となり、その後、西園寺家の家督を継いだ。

孝明天皇が置いた学習院で学び、岩倉具視とも親交を結んだ。

戊辰戦争にあっては、官軍として戦地にも赴き、会津戦争にあっては最前線で鉄砲隊の一員として戦った、アクティブな公家の一人だった。

明治維新後は、普仏戦争直後のフランスに留学。ソルボンヌ大学では政治学者のエミール・アラスコに学んだ。

明治の日本の基盤となった、ドイツの保守的な政治思想とは違う、自由主義的なフランスの政治思想は、その後の西園寺の政治生命に大きな影響を与えた。

帰国後は、伊藤博文の腹心として活躍。伊藤の後を継いで政友会総裁になり、総理大臣も経験。その後は、”元老”として、原敬などの後進を支えた。

そうした西園寺の生涯が、貴重な資料とともに紹介されていた。

西園寺は、井上毅が書いた教育勅語の国家主義的な内容に不満を持っており、より世界に目を向けた内容に変える構想を持っており、その草案も展示されていた。

もしその構想が実現していたら、現在の”教育勅語”を巡る論争にも、影響を与えたに違いない。

立命館大学は、西園寺公望が明治維新直後に作った立命館私塾が元になっていることは、寡聞にもこの展覧会で初めて知った。

This exhibition focuses on Saionji Kinmochi, known as the "last Genro."

Saionji Kinmochi was born into the Tokudaiji family, a noble family. He was adopted into the Saionji family at the age of two and later inherited the family's headship.

He became friends with Iwakura Tomomi at Gakushuin, a school established by Emperor Komei.

He was an active member of the nobility, serving on the battlefields of the Imperial Army during the Boshin War and fighting on the front lines as a member of the musketeers during the Aizu War.

After the Meiji Restoration, he studied in France shortly after the Franco-Prussian War. He studied under political scientist Émile Alasco at the Sorbonne.

Saionji's liberal French political thought, which differed from the conservative German political thought that formed the foundation of Meiji Japan, had a major impact on his subsequent political career.

After returning to Japan, he served as a confidant of Ito Hirobumi. He succeeded Ito as president of the Seiyukai party and also served as prime minister. After that, as a "Genro" (elder statesman), he supported successors such as Hara Takashi.

Saionji's life was introduced alongside valuable documents.

Saionji was dissatisfied with the nationalistic content of the Imperial Rescript on Education written by Inoue Tsuyoshi, and had a plan to change it to be more globally oriented, and a draft of this plan was also on display.

If this plan had been realized, it would undoubtedly have influenced the current debate surrounding the Imperial Rescript on Education.

It was only during this exhibition that I learned that Ritsumeikan University originated from the Ritsumeikan Private School founded by Saionji Kinmochi shortly after the Meiji Restoration.

インド更紗 世界をめぐる物語（東京ステーションギャラリー） Chintz, A Global Story (Tokyo Station Gallery)

インドで生まれた美しい染織物、インド更紗。

そのインド更紗が、世界をめぐった物語を紹介する展覧会。

インドのみならず、インドネシア、フランス、イギリス、そして日本など、世界各地で発見されたインド更紗が展示されていた。

インドでは、ヒンドゥー教の神々などが絵柄として描かれているが、インドネシア様には別な文様が、ヨーロッパ向けには、いかにもインドをイメージする草花などが描かれた。

そうしたインド更紗は、初めから送られる現地のニーズに応じて制作されたことがよくわかる。

中国の陶磁器と同じように、今日のグローバル経済の原点を見るようだ。

世界の様々な地域に渡ったインド更紗は、使われるだけでなく、その地の布製品にも大きな影響を与えた。

フランスのナントでは、その絵柄を取り入れた、”トワル・ド・ジュイ”が作られた。

イギリスでは、ウィリアム・モリスが”イチゴ泥棒”などのデザインに取り入れた。

日本では、円山応挙が、そのデザインをスケッチしている。茶器を包む布のデザインにも取り入れられ、有名な大名茶人である松平不昧も、そのデザインを好んでいたという。

そしてデザインのみならず、世界の歴史にも影響を与えた。

イギリスでは、大量に輸入されるインドの更紗などへの対抗から、国内での生産が盛んになり、やがて産業革命が起こった。

何とも奥深く、また壮大な、インド更紗の世界を体験することができた。

Chintz is a beautiful dyed textile that originated in India.

This exhibition tells the story of how Chintz traveled around the world.

Chintz discovered not only in India, but also in Indonesia, France, England, and Japan, among other parts of the world, was on display.

In India, the designs featured Hindu gods and other deities, while the Indonesian version featured different motifs, while the European version featured flowers and plants typically associated with India.

It is clear that Chintz was created from the beginning to meet the needs of the destinations to which it was sent.

Like Chinese ceramics, this seems to represent the origins of today's global economy.

Chintz, which spread to various parts of the world, was not only used in its various forms, but also had a major influence on local textiles.

In Nantes, France, "Toile de Jouy" was created incorporating the design.

In England, William Morris incorporated it into designs such as "The Strawberry Thief."

In Japan, Maruyama Okyo sketched the design. It was also incorporated into the designs of the cloth used to wrap tea utensils, and the famous tea master Matsudaira Fumai was said to be a fan of this design.

It has influenced not only design, but also world history.

In Britain, domestic production of Indian chintz flourished in order to compete with the mass imports of Indian chintz, and this eventually led to the Industrial Revolution.

I was able to experience the profound and magnificent world of Indian chintz.

嵯峨本の誘惑（慶應義塾ミュージアム・コモンズ） The Temptation of Saga-bon (Keiko Museum Commons)

千葉の銚子市にある、圓福寺の嵯峨本コレクションを中心に展示した展覧会。

以前、銚子の名所を紹介したテレビ番組でこの寺が紹介されていた。その際に、古書のコレクションがあることがチラリと紹介されていたが、世界有数と言われる嵯峨本のコレクションがあることはこの展覧会まで知らなかった。

京都・嵯峨の豪商、角倉素庵が、俵屋宗達や本阿弥光悦の力を借りて出版し、その後の江戸の出版文化に大きな影響を与えたと言われる嵯峨本。

俵屋宗達の関与には、これまでも異論があったが、最新の研究では、文字を主に書いたのは本阿弥光悦ではなく、その書の弟子でもあった、角倉素庵だったのではないかと考えられているようだ。

この展覧会では、本阿弥光悦（伝）と角倉素庵の二人の書が並んで展示されていた。確かによく似ている。

嵯峨本の中でも、伊勢物語は、初めて挿絵が入った版本。当時も人気が高かったようで、多くの版本が残っている。

江戸時代の、その後の挿絵入りの本の原点とも言える存在だ。

出版は何度も行われたが、その度に、いくつかの活字を入れ替えて、新たな伊勢物語本を作っていたという。

かなを使った活字の誕生には諸説あるようだが、おそらく、戦国時代にキリスト教の宣教師が出版して本にかなの活字が使われており、嵯峨本に影響を与えたのだろう。

漢字のかなとは違って、かなは文字が連なることがある。かなの活字はそうしたつながりの単位で作られた。

嵯峨本の中でもとりわけ有名な光悦謡本。その名前にも関わらず、光悦の筆でないことはほぼ確実だが、演目ごとに多くの版本が残っていて、その成立にはまだ謎が多いという。

その他にも、唐紙に雲母で背景を描いた美しい嵯峨本などを間近に見ることができ、小規模ながら、大きな広がりを感じ、嵯峨本の世界に誘惑されっぱなしの展覧会だった。

This exhibition focused on the Saga-bon collection of Enpukuji Temple in Choshi City, Chiba.

This temple was previously featured on a television program showcasing Choshi's famous sites. It was briefly mentioned that the temple has a collection of old books, but I had no idea until this exhibition that it also has one of the world's largest collections of Sagahon books.

Saga-bon are said to have been published by Suminokura Soan, a wealthy merchant in Saga, Kyoto, with the help of Tawaraya Sōtatsu and Hon'ami Kōetsu, and had a major influence on the publishing culture of the Edo period thereafter.

While Tawaraya Sōtatsu's involvement has long been disputed, the latest research suggests that it was not Hon'ami Kōetsu but his disciple, Suminokura Soan, who primarily wrote the characters.

In this exhibition, calligraphy by Hon'ami Kōetsu (allegedly) and Suminokura Soan was displayed side by side. They certainly look very similar.

Among the Saga-bon, The Tale of Ise was the first to be illustrated. It seems to have been very popular at the time, as many copies remain.

It can be said to be the origin of subsequent illustrated books from the Edo period.

It was published many times, and each time, some of the typefaces were replaced to create a new version of The Tale of Ise.

There are various theories about the origin of typefaces using kana, but it is likely that Christian missionaries used kana typefaces in books published during the Sengoku period, which influenced the Sagabon.

Unlike kana for kanji, kana characters can sometimes be linked together. Kana typefaces were created based on these linked units.

The Koetsu Utahon is particularly famous among the Sagabon. Despite its name, it is almost certain that it was not written by Koetsu, but many versions of each performance have survived, and much about its creation remains a mystery.

In addition, I was able to see beautiful Sagamoto works up close, with backgrounds painted in mica on karakami paper.Although the exhibition was small, it felt vast and we were constantly seduced by the world of Sagamoto works.